DESIGN EM LISBOA

MARIANA COSTA E SILVA | AMBIENTES 2012 FRANKFURT

2012-03-02T07:04:00.002-08:00

Mariana Costa e Silva participa com sucesso no Ambiente 2012

A designer Mariana Costa e Silva participou na feira Ambiente, que decorreu de 10 a 14 de fevereiro, em Frankfurt, na Alemanha, com as suas duas marcas CUT furniture® e Confeitaria da mala®. De forma a internacionalizar as marcas foram estabelecidos com sucesso contactos com visitantes de todos os continentes. A identificação "made in Portugal" demarcarcou-se como uma mais valia a par do design inovador da CUT furniture, cujas peças são montáveis e desmontáveis sem parafusos ou ajuda de qualquer ferramenta. As malas e carteiras da Confeitaria da mala distinguiram-se das muitas representações de malas existentes no pavilhão pela sua postura divertida e colorida, cujos modelos únicos com formas inspiradas na horta da nova coleção: Beringela, Chalota e Ervilha foram um sucesso. Esta é já a segunda participação de Mariana Costa e Silva numa feira internacional, tendo sido a primeira em Tóquio em Junho de 2011.

A marca Confeitaria da mala foi criada em 2006 para responder a um convite para uma participação na 1.ª feira da Ladra Alternativa, e encontra-se à venda em Portugal de norte a sul e ilhas e recentemente em Tóquio. Esta é uma marca de malas e carteiras doces e divertidas confecionadas em alcatifa industrial de variadas cores, segundo a tradição portuguesa. Encontramos disponíveis 16 modelos, como a Avózinha, a Hortaliça, o Tostão, o Malão-melão, o Croquete, a Mil-Folhas, o Envelope, a Bisavó, a Alcofa, a Conquilha, o Centavo, o Pistácio, a Folhada, a Beringela, a Ervilha, e a Chalota.

A CUT furniture foi lançada oficialmente na feira Interior Lifestyle Tokio em 2011 e teve o lançamento em Portugal por ocasião da Experimenta Design em Setembro estando à venda na Design Store BCT no Príncipe Real em Lisboa. A marca foi distinguida no Prémio Massimo Dutti Design e ganhou o 1.º Prémio Nacional Indústrias Criativas Unicer/Serralves. Este é um mobiliário barato e que dispensa parafusos, basta encaixar como um puzzle e está pronto a usar. O material utilizado é conhecido como Valchromat, um painel de fibras de madeira, hidrófugo, não é tóxico mas é colorido em toda a sua espessura. Os produtos com marca CUT Furniture podem ser distinguidos o CUT stool, CUT chair, CUT armchair, CUT table e CUT coffee table. Segundo Maria Costa e Silva “design não é só estética, mas também funcionalidade e conforto.”

A sua promotora, Mariana Costa e Silva nasceu nos Açores. É licenciada em Design de Equipamento pela FBAUL e recebeu distinções em concursos de design, marketing e empreendedorismo. No seu currículo também encontramos o desenvolvimento de produtos em metalomecânica, vidro, mobiliário, interiores, têxteis, cerâmica e gere as suas duas marcas próprias de produto a Confeitaria da mala® e a CUT furniture®.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

BOCA DO LOBO | MARIE ANTOINETTE

2012-03-01T01:00:00.001-08:00

Marie Antoinette, quem é mais bonito do que eu?

Chama-se Marie Antoinette e é o novo espelho da Boca do Lobo, com edição limitada a 20 exemplares. É esculpido à mão, coberto a folha de prata e verniz translúcido de elevado brilho e será lançado na Milan Design Week 2012. Este espelho permite refletir o corpo e a alma de qualquer ambiente interior.

Com o nome e estilo de uma era, em que os espírtitos dos tempos da corte francesa eram áureos e havia uma escala desmesurada dos interiores de Versailhes onde ocorriam opulentas festas. Nos tempos atuais é um espelho que espalha magia em qualquer canto da sua casa, desde a sala ao hall, passando por um escritório ou um quarto. E o melhor: o seu vizinho do lado não terá um igual, com certeza, e terá inveja de tão majestosa peça que a sua habitação alberga.

Este espelho de parede é uma atitude, um facto histórico e uma época. Foi, evidentemente, inspirado na polémica Marie Antoinette e nos tempos áureos da corte francesa, onde peças imponentes como esta e de grande escala eram encontradas em todas as salas do Palácio de Versailhes. Esta peça com 2,20 metros pede-nos a cada instante que lhe perguntemos: “Espelho meu, espelho meu que é mais bonito do que eu?”

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

FABRICA FEATURES | VERA CHAPTER ONE

2012-02-29T04:43:00.003-08:00

“Vera, Chapter One” de Kirsty Minns e Érika Muller na Fabrica Features

De 24 de fevereiro a 25 de março podemos encontrar na Fabrica Features Lisboa, na Rua Garrett no Chiado, “Vera, Chapter One”, um espetáculo multidisciplinar centrado numa personagem de fição, Vera. Este espetáculo foi desenvolvido por Kirsty Minns, uma jovem designers recebida na Fabrica Features Lisboa, e Érika Muller, e aqui é apresentado um primeiro capítulo já lançado durante o London Design Festival em setembro de 2011 e que atualmente ainda é um projeto em curso. Esta exposição inclui o trabalho de Tomás Alonso (designer de produtos espanhol), Camille Blin (designer de produtos francês), Arlette Ess (designer de acessórios suíça), Malika Favre (ilustradora francesa), Roma Levin (ilustrador e designer gráfico russo), José Levy (designer de produtos francês), Loris & Livia (designers de produtos suíços), Phillippe Malouin (designer de produtos canadiano), Kirsty Minns (designer de produtos inglesa), Eelko Moorer (designer de calçado e acessórios holandês), Érika Muller (designer gráfica francesa), Emmanuel Philip (designer olfativo francês) e Study O Portable (designers de acessórios holandeses e japoneses).

Nesta exposição é explorada uma abordagem do design pela literacia e vemos um conjunto de trabalhos ecléticos onde há uma vertente de design de produtos, ilustração, gráficos e design olfativo. O processo de pensamento po detrás de cada uma destas peças que fazem parte deste projeto representa uma resposta para a personagem principal, Vera. Esta é uma personagem fictícia e que é construída através de um conjunto de fotografias da família de uma rapariga encontrada há alguns anos atrás numa loja de ojetos em segunda mão em Brighton. O grupo de artistas desta exposição respondeu a apenas uma imagem proveniente de uma série em questão e formulou o primeiro capítulo da biografia de Vera, elaborando uma biografia de fição. E assim, o mundo de Vera é trazido à realidade ou à tona através deste corpo de trabalho especulativo. A sala de exposição é o seu espaço íntimo, onde nós somos convidados a descobrir uma série original de artefatos hipotéticos.

Kirsty Minns e Érika Muller conheceram-se em 2008 na Established & Sons, fabricante britânico de móveis de renome, e nos 3 anos em que trabalharam juntas, em projetos e eventos de grande escala baseados no Reino Unido e no estrangeiro, descobriram um gosto comum pelos projetos não-comuns. Através da reconhecida e valiosa experiência de ambas, que abrange um vasto conjunto de processos de design – design de produtos, desenvolvimento de produtos, direção artística e comunicação visual – Kirsty e Érika trabalham em conjunto nesta primeira exposição “Vera Chapter One”, convidando uma série de criativos talentosos em redor de um tema comum. O projeto nasceu do seu desejo mútuo de criar uma exposição que pudesse ser usada como suporte para estimular o debate e celebrar uma abordagem narrativa do mundo do design.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

LUZZA | LIGHT AND BUILDING - FRANKFURT

2012-02-29T04:42:00.003-08:00

LUZZA internacionaliza marcas de iluminação portuguesas

MOOD

A Light and Building, com data marcada para decorrer de 15 a 20 de abril em Frankfurt, terá conceituadas marcas portuguesas de iluminação. Nesta que é considerada como a maior e mais importante feira do setor, a LUZZA marcará presença ao lado de grandes nomes internacionais da iluminação, apoiando em simultâneo a iluminação nacional e mostrando a sua inovação e capacidade de apresentar novidades e soluções surpreendentes. Além da LUZZA, outras 15 empresas estarão presentes nesta edição da Light and Building: Artinox, Arquiled, Ccastro Lighting, Crisbase Glass Export, Delightfull, Efapel, Enancer, Exporlux, F.Ferreira da Silva, FB Internacional, Geonext, IEA - Indelague, Malta & Santos, Metalogalva, Paulo Coelho e Soneres. Além disso, na área de Young Design haverá espaço para dois jovens designers portugueses, Diogo Martins de Carvalho e Miguel Soeiro, que se destacaram como jovens promissores do circuito internacional de iluminação. Desde o ano passado que a LUZZA tem contribuído para a internacionalização de várias marcas portuguesas de iluminação, tendo estado presentes com a LUZZA mais de 20 marcas nos principais palcos do design internacional.

DELIGHTFULL - AMY

Um dos grandes, senão o maior, objetivo da LUZZA é a promoção e credibilização internacional da iluminação portuguesa, realçando a inovação empresarial da mesma, tanto em termos de capacidade produtiva, como de design e comunicação. Assim sendo pretendem ser uma referência internacional entre os profissionais da arquitetura, design de interiores, decoração e designers de produtos, bem como na resolução dos seus projetos, aconselhando as melhores empresas portuguesas e garantindo sempre as melhores soluções técnicas. O próprio slogan da LUZZA dita isto: “together we are the solution, we make it possible, we promove creativity, we are stronger, we promote portuguese lighting”. Modesto Castro, Presidente da LUZZA dita que “as marcas portuguesas de iluminação não só são originais como também têm um fator chave fundamental na área: o know-how. É preciso acreditarmos nas nossas marcas e nas suas capacidades e comunicá-las para todo o mundo. Portugal tem grandes marcas de iluminação, o seu sucesso está em saber comunicá-las. A Light and Building é um evento muito importante pois permite o reconhecimento do setor junto não só dos principais compradores como também dos líderes de opinião da área, constituindo uma porta fundamental para que Portugal seja reconhecido na área da iluminação.”

GMEX LIGHT

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

ARCHDAILY | PRÉMIOS ARQUITETURA PORTUGUESA

2012-02-23T14:16:00.000-08:00

Arquitetura portuguesa em destaque nos Prémios ArchDaily

Capela Árvores da Vida em Braga de Cerejeira Fontes Arquitetos

Portugal continua a marcar pontos no plano internacional no que toca à arquitetura e a prová-lo estão uma série de projetos portugueses candidatos a Edifício do Ano, distribuídos por 7 das 17 categorias, do conceituado website ArchDaily (www.archdaily.com). Os finalistas das 14 categorias desta edição dos prémios ArchDialy foram nomeados pelos leitores do website e até 6 de março serão escolhidos os melhores através da votação online. Este conhecido website especializado em arquitetura regista atualmente 200 mil visitas diárias, que em 2011 geraram 350 milhões de pageviews. No Facebook já possui cerca de 500 mil amigos e 60 mil seguidores no Twitter. De relembrar que na última edição desta votação houve três projetos portugueses premiados: o Edifício Vodafone no Porto no Edifício Institucional, a Closet House em Matosinhos na categoria de Interiores e na categoria de Hotéis e Restaurantes foi galardoado o bar temporário da Faculdade de Arquitetura do Porto.

Casa do Voo dos Pássaros nos Açores de Bernardo Rodrigues
FOTOGRAFIA IWAN BAAN

Casa em Leiria de Aires Mateus

Na categoria de Habitação está a Casa do Voo dos Pássaros nos Açores de Bernardo Rodrigues, a Casa em Leiria de Aires Mateus e a Casa Mima da Mima. Na categoria de Museus e Bibliotecas temos o Museu da Vila Vela em Vila Real e concebido por Belém Lima, o MUDE – Museu do Design e Moda em Lisboa de Ricardo Carvalho e Joana Vilhena, e ainda a Casa das Histórias Paula Rego em Cascais de Souto Moura. Na categoria religiosa também há projetos portugueses como a Igreja da Boa Nova no Estoril de Roseta Vaz Monteiro, a Capela Árvores da Vida em Braga de Cerejeira Fontes, e ainda a Capela de Santa Ana em Santa Maria da Feira da e|348 Arquitectura.

Casa das Histórias Paula Rego em Cascais de Souto Moura

Mas ainda há mais cinco categorias que contam com projetos da autoria de arquitetos portugueses. Na categoria de Arquitetura Desportiva temos a Piscina Municipal de Povoação nos Açores de Barbosa & Guimarães, e no diz respeito a espaços culturais Portugal faz-se representar com o Centro de Artes de Sines de Aires Mateus. Os Espaços Públicos também têm projetos nacionais como a ponte pedestre da Covilhã da autoria de João Luís Carrilho da Graça. Na categoria de Interiores pode-se votar nos escritórios Fraunhofer no Porto, assinado por Pedra Silva e na Arquitetura Industrial encontra-se para votação a Herdade do Marmelo do gabinete de Ricardo Bak Gordon.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

IN A IN

2012-02-23T03:36:00.001-08:00

Modernismo, sofisticação e exigência garantidos pela INAIN®

A INAIN® Interiores é um projecto de Mário Azevedo e Paula Ferreira Alves, que em conjunto desenvolvem um estilo único, uma forma de estar e de trabalhar desviados de modas e tendências e focado no modernismo, com influências da pintura, artesanato e em peças escolhidas criteriosiamente. E assim surgem projectos únicos e repletos de inovação e criatividade, nunca vistos ou sequer imaginados. Tudo isto é garantido através de um trabalho de minúcia que, há já vários anos, trabalha para uma geração que procura modernizar-se. E por isso, o tipo de clientes que procura a INAIN® deseja, além de uma decoração personalizada, encontrar a qualidade e o “living style” garantidas pelas marcas mais conceituadas em termos mundiais. Esta é uma forma de decorar para transmitir bem-estar aos ocupantes dos mais variados espaços, confirmam os responsáveis por este gabinete de projectos de arquitectura e design de interiores!

O segredo do sucesso da INAIN® passa pelo seu conceito “fit-out”, ou seja, baseiam o seu trabalho numa oferta multidisciplinar e personalizada de funções que disponibilizam ao cliente, e do resto a INAIN® fica responsável. Ou seja, trata das infra-estruturas, projectos de iluminação, tectos, paredes, projectos de ar-condicionado, e a tão importante imagem. Desta forma pretendem facilitar a vida ao cliente, seja uma empresa ou um particular.

A pureza das linhas decorativas e o realce ao detalhe são duas das marcas do INAIN®, o que garantem aos clientes a excelência de um interior repleto de conforto e sofisticação. A juntar a isto existem outras características que identicam este gabinete de arquitectura, como a perfeição e o rigor do seu trabalho para responder da melhor forma a um cliente mais activo e exigente, conhecedor do mercado e pertinente na satisfação dos seus desejos. O primordial é sempre que o cliente se sinta o mais confortável possível no seu espaço, e é para isso que a equipa do INAIN® trabalha diariamente. Nos seus projectos e nos ambientes que concebem há algo que está sempre presente, até pela sua inquestionável utilidade, uma cadeira confortável de leitura e uma mesa de sala de jantar com cadeiras de braços de forma a estar igualmente confortável enquanto está junto à mesa, nunca esquecendo a boa iluminação que consideram algo exigido em todos os locais.

Para a casa trabalham com várias marcas como Minotti, Paola Lenti, Rimadesio, Moooi boutique, USM – Modular Furniture, Vitra., Zeitraum, Segis Delight Multipla, Tom Dixon, Sawaya & Moroni, Fiam, Fritz Hansen, Horm, Knoll, Classicon e ainda Carl Hansen & Son, Andreu World, Arper, Casamilano, Cappellini, Edra, Cerrutti Baleri, Lema e Cassina. Para a iluminação contam com a colaboração e produtos da Tom Dixon, Luminara, Oluce, Santa & Cole, Luce Plan, FontanaArte, Foscarini, Belux, Flos, Artemide e Ingo Maurer. Nos escritórios utilizam produtos da Vitra., USM – Modular Furniture, Matteograssi, Bordonabe, IOC – International Office Concept, Klöber e Mascagni. E para a decoração de exteriores utilizam a Vondom, Serralunga, Teakparkline, Tribù e Gandia Blasco Marcas que escolheram pela sua qualidade e presença de destaque e confiança no mercado!

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

ARTISTAS NO BAIRRO

2012-02-23T03:35:00.002-08:00

Conheça a Comunidade Artistas no Bairro

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Girly Things

Em Novembro de 2011 surgiu um novo e inovador projecto em Portugal conhecido como Artistas no Bairro – são uma comunidade artística, de pessoas comuns que com amor e muita dedicação, desenvolvem marcas originais, de artesanato urbano e design, 100% Nacional.

O objectivo principal desta Comunidade é ser uma plataforma de comunicação, tanto entre criadores, como entre criadores e o público em geral. Por isso, para além da divulgação das marcas na Página Oficial dos Artistas no Bairro no Facebook: www.facebook.com/pages/Artistas-no-Bairro/106621316120310. Esta comunidade também já organizou Feiras e Eventos com essas mesmas marcas. E esta é outra característica que diferencia esta Comunidade – num incentivo de levar Arte & Design ao encontro das pessoas, estas Feiras podem acontecer nos locais mais inesperados, já que não existem nem datas, nem locais fixos!

Miopinho

Apesar de ser um projecto recente, com apenas 2 meses, já organizaram a primeira Feira, no passado dia 3 de Dezembro, em Sassoeiros. “A adesão foi maior do que o esperado, tanto de quem nos visitou, como das marcas que participaram!”conta-nos Patrícia Santos, fundadora e designer deste projecto. E refere ainda: “Criou-se imediatamente um espírito de grupo muito interessante já que, logo à partida, partilhávamos todos a mesma paixão – cada um de nós desenvolve uma marca sua, original, e feita à mão! Rápidamente se fizeram novas amizades, trocaram-se ideias e técnicas, tiraram-se dúvidas, e até se formaram parcerias! E todos percebemos - Esta ideia não pode ficar por aqui!”

Pescadinha

Truska

Por isso mesmo, os Artistas no Bairro estão já à procura de um novo local para a próxima Feira – e fique atento – já que pode muito bem acontecer num bairro perto de si! Se esta ideia lhe agrada, desenvolve uma marca sua, original, de artesanato urbano e design, envie um email com uma página de divulgação do seu trabalho para: artistasnobairro@gmail.com. E aguarde - eles entrarão em contacto consigo!

the punpis family

Se perceberem que são a Comunidade perfeita para si, pode então juntar-se às marcas que já fazem parte deste grupo: TrüSka, Pescadinha, Girly Things, Miopinho, b.aba, Coração de Alfazema, Mil Fios Mil Cores, Ata-me, Box-Lx, Casa Verde, Vertigo Dizain, Mao Mao Crafts, Vintage Bird, Milho Roxo, Cat Flow, Marts, Sarapintas, Clementina, The Punpis Family, Pó de Luar, Menina Rabina, O meu Amor é Verde, Kali design, Sugarland, Anima, Flai disaine, Feltrapilhos, Home Made with Love, Tia Anica, Sílvia Jácome e Boca de Sapo!

O meu amor é verde

“Queremos incentivar a originalidade, a imaginação e a comunicação – e o que já é óbvio constatar é que existem muitas pessoas talentosas e criativas por este País fora, que desenvolvem trabalhos fantásticos, e que apenas estão à espera de serem descobertas... por si!”

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

OLD SCOOTER

2012-02-16T04:31:00.001-08:00

Old Scooter com bicicletas para o ambiente urbano

A Old Scooter é um projecto que nasceu há três anos da paixão de três amigos pelas motas, mas acabaram por se apaixonar realmente pelas bicicletas. A partir de janeiro deste ano, a Old Scooter integra uma nova área de negócio, a venda de bicicletas para a cidade. Até agora a Old Scooter funcionava apenas como oficina de mecânica, manutenção, restauro e venda de scooters de marcas reconhecidas como Vespa, Lambretta e LML, mas começaram a surgir pedidos de alguns clientes e resolveram dar mais um passo na emergência de novos veículos adequados à vida urbana.

A primeira marca de bicicletas que podemos encontrar na Old Scooter são as holandesas Vanmoof que respondem na perfeiçao aos emergentes apelos e necessidades dos clientes que optam por uma mobilidade mais saudável e ecológica, e sempre em grande estilo. Esta marca demarca-se de muitas outras por ter projectado a essência da bicicleta urbana, removendo o excesso e mantendo o conforto, nunca esquecendo o estilo fundamental de uma bicicleta com um design elegante e minimalista. E por isso, as bicicletas Vanmoof são reconhecidas por serem resistentes à cidade, adaptáveis a todos os climas, resilientes a vandalismos, duráveis, e não praticamente nenhuma manutenção. A marca removeu os componentes que não faziam falta e que podiam avariar ou partir, e adicionaram o mínimo mas essencial e desta forma, conseguiram esconder muitos dos componentes dentro de tubos em alumínio no quadro da bicicleta.

O modelo unisexo, Vanmoof Nr.3 já se encontra disponível na Old Scooter e caracteriza-se por ter um quadro em alumínio à prova de oxidação, luzes embutidas no quadro tanto à frente como atrás e que funcionam como LEDs carregados através da energia solar mas que também podem ser carregados através de um cabo USB. Os pneus mais largos deste modelo permitem que qualquer percurso em pisos mais complicados se torne numa viagem confortável e agradável. O guiador, o selim castanho e os pneus Scwalbe completam o look desta bicicleta urbana. A Vanmoof Nr. 3 Simple Speed, outro dos modelos disponíveis, possui um travão traseiro de contra-pedal adequado para a cidade, e além disso ainda é uma bicicleta muito resistente, leve e segura. A versão Vanmoof Over-The-Top é adequada para as subidas mais complicadas e vem equipada com um travão traseiro de contra-pedal, um travão de cubo na frente e um sistema de mudanças ao cubo (Shimano Nexus 3 velocidades).

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

ARCO | MADRID

2012-02-13T02:20:00.003-08:00

12 galerias portuguesas na ARCO Madrid, de 15 a 19 de fevereiro

Na 31.ª edição da Feira de Arte Contemporânea, mais conhecida como ARCO Madrid que decorre de 15 a 19 de fevereiro, marcarão presença 12 galerias portuguesas. Com esta presença maciça, Portugal é o terceiro país em termos de representação, num total de 160 galerias oriundas de 28 países. A representar Portugal estarão a Baginski, Carlos Carvalho – Arte Contemporânea, Cristina Guerra, Pedro Cera, Vera Cortês, Galeria 111, Graça Brandão, Filomena Soares, Quadrado Azul e Fonseca Macedo. Na Seção “Opening”, dedicada a jovens galerias europeias com menos de 7 anos de existência, marcam presença a Carolina Pagès e Nuno Centeno. A galeria Carolina Pagès, já fez saber que dará a conhecer nesta seção trabalhos de artistas como Sofia Leitão, Mafalda Santos, Pedro Valdez Cardoso e Miguel Palma.

Nesta grande feira ibérica de arte contemporânea, a Holanda foi o país convidado para a sua 31.ª edição. E com os países baixos em foco, a organização criou um projeto em colaboração com a embaixada destes países em Madrid e a Mondriaan Funda para trazer à capital espanhola, várias esposições de artistas holandeses de renome como René Daniels, Falke Pisano, Aernout Mik e Navid Nuur.

Carlos Urroz, Diretor da ARCO sublinhou algumas das novidades da edição de 2012 da ARCO, como o “Artista Destacado” que pressupõe que cada galeria convidada escolha um dos seus artistas que terá um destaque especial. Com esta novidade pretende-se criar um novo dinamismo e contrariar a impressão de repetição que quem visita habitualmente este evento possa sentir. Respondendo a esta proposta, as galerias portuguesas escolheram nomes como Ana Cardoso, Detanico e Lain, Fernanda Fragateiro, Francisco Tropa, Helena Almeida, João Leonardo, João Pedro Vale, Lygia Pape, Manuela Marques, Paulo quintas, Rui Toscano e Susana Gaudêncio.

Outra das novidades denomina-se “Solo Objects” e pretende expor obras de arte e intervenções de grande formato nos corredores e praças dos vários pavilhões da feira. Portugal também participará nesta novidade da feira com Isaque Pinheiro da galeria Ybakatu Espaço de Arte que apresentará uma peça em 80 metros cúbicos de madeira e linho, intitulada “Em cima da Terra e debaixo do Véu”, e ainda com Vasco Araújo representado por Filomena Soares com a peça “Trabalhos para nada ‘Sem qualidades’”. Outra das novidades da ARCO é a realização do 1.º Encontro de Museus da Europa e da América Latina que contará com a presença de João Fernandes, Diretor do Museu Serralves do Porto.

Carlos Urroz admite que o impacto da crise internacional irá fazer-se sentir em Madrid, na ARCO de 2012, mas admite que isso se deve sobretudo ao parco investimento feito pelas instituições públicas. Mas, garante, que instituições de maior envergadura já garantiram que irão à ARCO fazer compras, nomeadamente o Museu Reina Sofia e a Fundação Coca-Cola. Relativamente aos colecionadores privados, o Diretor da ARCO mostra-se otimista porque acredita que os momentos de crise correspondem a uma maior vontade de investir em arte. Por isso já garantiu que há 250 colecionadores privados convidados, e tal como sucedeu em 2011, haverá um programa de assessoria para quem deseje comprar arte e necessite de alguma orientação.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

FABRICA FEATURES | ANUÁRIO 2012

2012-02-10T04:56:00.003-08:00

Anuário para 2012 da Fabrica Feature

Um anuário é um verdadeiro calendário feito por um grupo selecionado de talentos e mentes internacionais, e tal como a definição de calendário serve para apresentar 12 ideias díspares umas das outras. E assim aparece o humor necessário para enfrentar com coragem mais um ano, conjugado com a criatividade e as histórias pessoais de designers e ilustradores oriundos dos quatro cantos do mundo.

Assim desenhou o Departamento de Design da Fabrica Features em Lisboa o seu anuário para o ano de 2012, convidando alguns dos seus antigos e atuais colaboradores a escolher o seu mês favorito, estabelecendo desta forma o ritmo para os próximos 366 dias de 2012. Este anuário está disponível nas instalações da Fabrica Features, localizada no número 83, 4.º andar, da Rua Garrett em Lisboa, com uma festa de encerramento no próximo dia 18 de fevereiro.

Neste anuário o mês de janeiro é da responsabilidade de Elliot Burford da Austrália, fevereiro é o mês do japonês Kaneuchi Yukihiro, Filipe Ferreira esteve responsável pelo mês de março, o dinamarquês Henriette Kruse Jørgenses representa o mês de abril, Cristina Dias o mês de maio e Mariana Fernandes o mês seguinte. Em julho encontramos Catarina Carreiras, em agosto Marta Teixeira da Silva, setembro tem a “mão” do inglês Philip Bone, outubro do americano Andy Rementer, a sueca Magdalena Czarnecki é responsável pelo mês de novembro e Gustao Millon, chileno, termina o ano com o mês de dezembro.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

PEDRO GADANHO

2012-02-08T01:03:00.001-08:00

Pedro Gadanho, um curador português no MoMa

O arquiteto português, Pedro Gadanho foi escolhido num concurso internacional lançado pelo MOMA – Museu de Arte Moderna em Nova Iorque, para ser o novo curador de Arquitetura Contemporânea no Departamento de Arquitetura e Design do MoMA. Pedro Gadanho já começou a dirigir o setor das exportações e aquisições, o que implica fazer a curadoria de exposições e conduzir as aquisições de arquitetura contemporânea do MoMa. Além disso tem ainda como responsabilidade levar a cabo um programa dirigido a jovens arquitetos, lançado em Nova Iorque, e que já foi internacionalizado para Itália e Chile. O objetivo deste programa é mostrar os arquitetos emergentes e ir construindo retratos recentes da realidade da arquitetura em diferentes localizações.

Numa época em que a área da arquitetura escasseia em termos de quantidade de emprego, Pedro Gadanho encoraja os novos profissionais ditando que estes têm de encarar a arquitetura como um campo aberto: “as qualidades que o arquiteto aprende na formação expandem-se a imensas possibilidades. Tem a ver com o domínio do espaço e da informação, o que tem aplicação em muitas áreas além da construção de edifícios.” Seguindo o seu próprio percurso profissional, auto-carateriza-se como “alguém que muito cedo percebeu que valia a pena diversificar a atividade. Ao invés de andar a perseguir ideias do atelier profissional que anda à procura de clientes e tenta conseguir encomendas para fazer obra. Essa perspetiva pode ser complementada por um entendimento da arquitetura como produção cultural, o que leva a que possa então haver uma produção de pensamento, publicações, exposições e mesmo outras coisas como consultoria.” E sobre a sua nomeação para a MoMA considera que “foi o corolário de uma carreira de freelancer em áreas inovadoras no domínio da arquitetura que tem crescido muito nos últimos anos.”

Nascido em 1968 na Covilhã, Pedro Gadanho formou-se pela Faculdade de Arquitetura da Universidade do Porto (FAUP), onde leciona, e tem um mestrado em Arte e Arquitetura pelo Kent Institut of Arts and Design em Inglaterra. Ao longo dos anos tem dividido a sua carreira entre a docência e a profissão de arquiteto, não descurando as responsabilidades de curador, crítico, investigador e editor, sendo responsável pela série “Beyond, Short-Stories on the Post-Contemporary” em Amesterdão, e pelo blogue ShrapnelContemporary (www.shrapnelcontemporary.wordpress.com). Como crítico tem colaborado, de forma regular, com diversas publicações internacionais. Como curador foi responsável pela instalação, “Metaflux”, na Bienal de Veneza de 2004, e ainda comissariou as exposições “Post. Rotterdam” para a Porto 2001, “Space Invaders” para o British Council de Londres e “Pancho Guedes, um Modernista Alternativo” para o Museu de Arquitetura da Suíça. Em 2003 e 2004 fez parte da Direção da ExperimentaDesign. Ainda tem no seu currículo a publicação de uma obra, “Arquitectura em Público” (Dafne) que fixa a sua tese de doutoramento na FAUP, e onde encontramos um estudo sobre a atenção mediática sobre a arquitetura durante décadas e meia nas páginas do Jornal Público e em outros media.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

RUI SOUSA

2012-02-07T01:20:00.001-08:00

Desenhos artísticos e linguagens de Rui Sousa

Rui Sousa nasceu em Valongo mas trabalha atualmente no Porto como artista plástico, num atelier próprio localizado na Rua Duque de Loulé, na cidade invicta. Mas amanhã pode já não o encontrar nesta morada visto que Rui Sousa está a mudar o espaço do seu atelier para a Rua de Almada, também no Porto, para um espaço aberto ao público e com venda direta pelos seus trabalhos. Se quiser conhecer mais de perto o trabalho de Rui Sousa passe pela Mostra de Ilustração no Fórum da Maia onde estão expostos vários trabalhos de Rui Sousa. E em 2012 ainda há mais projetos na forja: em fevereiro sairá o Livro Infantil “Bú, feijão e o muro” com ilustrações da sua autoria. E ainda está a desenvolver a imagem para o próximo single e álbum da banda The Melancholic Youth of Jesus que sairá em maio. E ainda tem na agenda do mês de março uma palestra no IPCA. O que lhe reservará mais 2012?

O gosto de Rui Sousa pela arte foi crescendo ao longo da vida deste jovem de 31 anos, e com a formação na Faculdade de Belas Artes do Porto em artes plásticas, o gosto amadureceu e formou a sua própria identidade. Nas suas criações observamos que Rui Sousa utiliza muito o corpo como objeto de estudo e observação, algo que pode ser visto de várias perspectivas e abordagens, consoante quem o observa. Isto torna os trabalhos deste artista plástico dinâmicos, com um suporte e uma linguagem específicas, um tema e até mesmo um conteúdo descortinados por quem observa aquilo que Rui Sousa produz. São corpos aparentemente desconfigurados, assim os vê e desenha Rui Sousa, interrompidos na sua vida mas simples, individuais geralmente mas também os há coletivos. Corpos que tentam procurar em si determinadas caraterísticas, ou pretendem que alguém as descubra e decifre. As obras deste artista plástico são feitas como um mero exercício de rotina e de uma forma compulsiva, segundo confessa o próprio artista. Criatividade, imaginação e inovação são caraterísticas que assentam bem em cada produção de Rui Sousa.

A sua paixão também passa pelo formato digital que surgiu da necessidade de experimentar outros formatos e suportes, de forma a alargar as suas possibilidades e competências. Rui Sousa é influenciado em termos artísticos por tudo aquilo que o rodeia no seu dia-a-dia, mas a arte dos brasileiros Gémeos, Blu, Boris e outros também fazem parte da base do seu trabalho. Acumula no seu portfólio diversas exposições e mostras coletivas em espaços conceituados como a Galeria Olga Santos, o FresJealous Brand com a Coleção Primavera/Verão, a Galeria Porto Oriental, a Temporary Studio, a Artes em Partes e o Banco Simples no Porto e em muitos outros locais, com as mais variadas exposições e mostras dos seus trabalhos.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

BOA SAFRA

2012-02-03T01:07:00.001-08:00

Eco-Home Design presente nos produtos da Boa Safra

A Boa Safra apresenta-se como um canal de distribuição de produtos de vários artistas, designers e fabricantes de qualidade. Por isso na Boa Safra encontramos uma selecção criteriosa de produtos, marcas e designers que partilham os valores do design ecológico para a casa, e por isso na Boa Safra defendem com unhas e dentes o tão actual ECO-HOME DESIGN. Em 2011 a sua escolha inclui a mobília da Cerne pela sua função mas também pela sua personalidade. Também podemos encontrar marcas conceituadas como Bombaamor que traz o humor e o colorido dos seus lacados, ou a Corque com a sua fabulosa utilização de cortiça com um toque conceptual que reforça o aspecto ecológico. Tudo isto é concebido com produtos locais, uma premissa desta marca. E a Boa Safra ainda tem disponível um serviço a que chamam My Home, que consiste na construção de uma solução de design consoante as suas necessidades e desejos, realizada com a ajuda de um designer ou arquitecto de interiores.

Mas além das marcas escolhidas com muita exigência, e das peças com óptimo design, ainda encontramos na Boa Safra peças de designers portugueses já bem conhecidos, como é o caso de Ana Mestre, Benedita Feijó, Fernando Brízio, Magda Alves Pereira, Luís Carvalho, Pedro Silva Dias, Rita Tigre, Susana António, e muitos outros designers e artesãos e fabricantes. Sempre com uma exigência: a presença de peças originais e exclusivas que denotem beleza e design, sem descurar o seu lado prático e a imprescindível funcionalidade. Podemos encontrar tudo isto em qualquer loja Interforma do país e no Home Space em Alfragide. Há pouco tempo, a Boa Safra recebeu um selo de distribuidor oficial da marca Cerne, o que muito os orgulhou!

Na Boa Safra encontramos soluções para o dia-a-dia como uma vassoura e um apanhador, uma prateleira, um cabide, cadeiras e cabides e muito mais. Na secção de refeições tem vários tipos de cadeiras e mesas que respondem aos ensejos de qualquer um. Para o tempo de descanso há berços, espelhos de múltiplas formas, mesas de cabeceira, camiseiro, camas e muitos outros. Os mais novos não foram esquecidos e encontramos no catálogo de Boa Safra um original estendal de criança e uma tábua e ferro de engomar para aprender as lides domésticas desde pequenos, uma cadeira e mesa benjamin e uma cama e um roupeiro para os mais pequenos. A oferta já lhe parece grande? Mas a Boa Safra nao fica por aqui!

Na secção de têxteis para o lar encontramos almofadas multicolores e unicolores, passarinhos e bonecos animados, e na iluminação temos uma oferta vasta de candeeiros de todos os tamanhos e feitios, ao gosto de cada um e que respondem às mais variadas necessidades de iluminação. E como numa habitação as paredes são algo sobejamente importantes, também há papéis muito originais para colocar nas paredes, feitos de vinil. Curioso? Porque visita a Boa Safra e vê toda a sua oferta com os seus próprios olhos?

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

INSIDHERLAND

2012-02-03T00:46:00.001-08:00

INSIDHERLAND entra no mundo do design de mobiliário

INSIDHERLAND deu os seus primeiros passos no mundo do design no passado dia 12 de janeiro na apresentação da marca na Pousada do Porto Hotel Palácio do Freixo, onde estiveram presentes cerca de duas centenas de pessoas. Perante um público ansioso foi apresentada a primeira peça da coleção Beyond Memory, Homeland. Tal como a marca se identifica: “quando olhamos a realidade através da memória criamos ligações, eliminamos o desnecessário e juntamos detalhes que desejamos ser verdade. Através de histórias que nunca existiram criamos peças que irão durar para sempre. A coleçcão Beyond Memory (Além da Memória) leva-nos a lugares onde ‘Quem conta um conto, acrescenta um ponto.’”

Joana Santos Barbosa, a mentora desta marca, dita que “as nossas peças desejam provocar uma maximização emocional através de um trabalho de depuração controlada que enfatiza a expressão das formas e volumetrias, a singular identidade de um material e a perfeição das juntas. Criamos relações inesperadas entre a realidade, o conceito e a presença criativa.”

A Homeland é um aparador que deu nas vistas por recriar a imagem de uma antiga casa do campo, com paredes irregulares revestidas a cal. Esta peça representa os valores do lugar onde nascemos e de onde viemos, caraterizado por ser um local seguro e protetor, e por isso cada exemplar de Homeland é único e dotado de pormenores irrepetíveis. Totalmente revestido à mão, o irregular acabamento exterior em branco mate de Homeland surpreende pela sua elevada qualidade do seu toque acetinado. No seu interior descobrimos quatro prateleiras com acabamento em mate e duas gavetas superiores forradas a veludo de cor branca, sendo uma delas uma gaveta faqueiro. No centro desta peça, o interior para o qual se abrem as duas portas metálicas pivotantes pintadas com acabamento a verniz meio brilho interpreta o significado do interior de uma habitação. Através de um dourado intenso que ilumina a pintura em tons terra com acabamento a verniz de alto brilho sobressaem o calor dos afetos existentes num lar. Este espaço inclui duas prateleiras com o mesmo acabamento. O aparador Homeland é feito por artesãos e empresas portuguesas, até porque um dos objetivos desta marca passa por revitalizar as artes e ofícios portugueses de extremo valor e que pretende mostrar ao mundo.

Esta nova marca evoca uma nova “Terra” ainda por explorar, e é assim que se identifica e se carateriza. O conceito da marca, criado pela arquiteta Joana Santos Barbosa, prende-se com um regresso às origens, ao conforto e harmonia, serenidade e naturalidade das coisas porque, segundo dita a mentora do projeto, “acreditamos que a essência simbólica da arte resulta da devoção aos sentidos e da valorização da experiência figurativa.” Joana Santos Barbosa é uma arquiteta portuense que aprofundou os seus conhecimentos em design de interiores na St. Martins’s School of Arts and Design em Londres. Além da paixão pela arquitetura, Joana Santos Barbosa também expressa uma paixão pela expressão do detalhe e é isso que a motiva a criar peças de mobiliário repletas de detalhes com significado.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

MARIO VELA | PORTO

2012-02-01T01:44:00.001-08:00

Mario Vela com exposição na 604 R/C no Porto

No dia 3 de fevereiro será inaugurada na 604 R/C, localizada na Rua Guerra Junqueiro exatamente no número 604, a exposição individual de Mario Vela, intitulada “Que bom ver-te”. Esta exposição estará patente na 604 R/C de Segunda a Sexta-feira das 17 às 19 horas e aos Sábados das 15 às 19.30 horas, a partir do dia 3 de fevereiro até 29 do mesmo mês. As pinturas de “Que bom ver-te” reune personagens que surgem nas pinturas de Mario Vela e que transmitem emoções sobre aquilo que nos rodeia e que nos permite conviver de forma natural. O título desta exposição significa, segundo o autor, a alegria de voltar a Portugal e sobretudo de estar pela primeira vez numa exposição no Porto. Segundo confessa Mario Vela, já tinha conhecido alguns portuenses em Lisboa ou Madrid mas agora, finalmente, virá ao Porto para os conhecer melhor.

Mario Vela pintou muitos quadros para a exposição no espaço multifuncional 604 e, além disso, também traz alguns trabalhos anteriores que se adequam a este espaço tão particular. As personagens que vemos nas suas pinturas irão rever-se nos portuenses, Mario Vela tem a certeza, e dita que a alegria e emoção e sedução irão depreender-se de cada um por tão ansiado encontro a partir de dia 3 de fevereiro. As linhas simples de algumas pinturas de Mario Vela podem significar uma mulher dura, outras vezes, de forma vertiginosa os traços mostram-se confusos para acabar com as dúvidas que acabam por destacar a calma, segurança, felicidade.

“Contentes, excitadas, nervosas, disfarçam com uma bela magia a sua emoção, dissimulam esses sentimentos mas nunca nos enganam”, explica Mario Vela sobre algumas das suas pinturas. Algumas mulheres e homens mostram o seu passado, o seu caráter, o seu momento e pensamento, mas outros também o fazem apesar de dar a sensação de que os seus problemas saem como linhas loucas em torno de um rosto atormentado, mas que estoicamente aguentam a sua história triste. Com cada um dos personagens que povoam as múltiplas pinturas de Mario Vela podemos inventar uma história. Mas também pode acontecer que quando o artista acredita ter captado o modelo na percepção do que vê e observa, acaba por se observar a ele mesmo ao espelho. As histórias de cada quadro surgem no momento em que o espectador o aprecia e comenta. Vale a pena dar uma vista de olhos e conhecer a obra de Mario Vela de 3 a 29 de fevereiro, e outras que por lá vão aparecendo!

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

PORTUGAL NO FITUR

2012-01-31T02:21:00.001-08:00

Design português reconhecido no FITUR

O stand de Portugal no Fitur, realizado em Madrid de 18 a 22 de janeiro, foi premiado com a distinção de “Melhor stand internacional”. O evento contou com uma grande diversidade no espaço nacional, onde podíamos encontrar design, fado, literatura, arquitetura, gastronomia e várias ofertas turísticas. Tudo isto contribuiu para este galardão que foi atribuído pela diversidade da oferta turística representada e igualmente pela sua disposição inovadora, interativa e convidativa.

O design, representado pela Portugal Brands, construiu um espaço acolhedor e muito convidativo. Nos 5 dias do evento marcas de renome nacional como Boca do Lobo, BRABBU, Corque, Juva, LUZZA, Myface, Renova, Riluc e Tema Home, serviram de palco para diversas atividades que foram decorrendo ao longo dos dias. A diversidade de estilos, cores e formas destas marcas de design que estiveram presentes no certame contribuíram para a riqueza do stand, tornando-o diferente e mais apelativo relativamente aos outros.

Houve degustações, conferências e o stand ainda contou com a presença de várias personalidades como os Princípes das Astúrias e Pilar del Rio. E, findo os 5 dias do evento e com o galardão nas mãos, o design português provou uma vez mais a sua qualidade e diversidade a nível internacional. E como a Portugal Brands ditou, “este tipo de iniciativas comprova mais uma vez que Portugal tem muitas marcas com qualidade, o segredo está em comunicá-las.”

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

SENHOR DE SI

2012-01-31T01:29:00.001-08:00

Senhor de Si: um espaço aberto de criatividade

Seis dias antes do Natal de 2002 nasceu o Senhor de Si, uma loja e marca de Marisa Abafa, 37 anos, designer e ilustradora, e da sua irmã, Cláudia Abafa, dois anos mais nova, psicóloga. Neste espaço são construídos vários objectos de artesanato urbano, ilustração, design e decoração de espaços e ainda são construídas histórias adaptadas às vivências destas duas irmãs ou relacionados com acontecimentos especiais. O Senhor de Si organiza e participa em múltiplos eventos: todos os Sábados de cada mês estão presentes na Feira do Príncipe Real em Lisboa; todos os segundos Sábados e Domingos de cada mês encontramos o Senhor de Si na Feira de Antiguidades, Alfarrabistas e Artesanato na Avenida da Liberdade em Lisboa.

Quando entramos no atelier destas duas irmãs, localizado no número 30 na Rua S. Marçal, em pleno Príncipe Real, somos puxados como ímans para cada uma das peças porque todas são cativantes e são feitas com muito bom gosto. Parece um espaço de sonho, repleto de cores vivas e lindas, com pormenores amorosos. O difícil é mesmo escolher uma peça, ou duas, ou não cair na tentação de preencher a casa com todos os objectos do Senhor de Si. Neste momento, mudámos o espaço físico do atelier, que passou a ser o mundo, sem quatro paredes ou cercas.

A Aurora é um dos objectos do Senhor de Si. As criadores explicam-no desta forma: “somos parte um do outro. no que vivemos. no que sentimos. juntos. somos os passos. o caminho. a viagem ao interior. do profundo amor que nos acolhe.” Não é uma prenda ideal para um casal de namorados? Ou para dar à sua cara-metade de forma a demonstrar-lhe o verdadeiro significado de casal e união, dando em simultâneo um objecto lindo e cheio de cores vivas, cativante e apaixonante. O Domo é identificado também com um poema que começa assim: “em mim. não encontrarás brilho. deslumbramento. nem plumas ou purpurinas. mas a luz que vem de dentro. e o amor que nos permitirá. chegar ao lugar de onde eu vim. com a beleza que esperas.” E para além destas duas peças há tantas outras, com histórias para contar e significados para ditar. Basta ir ao Senhor de Si e conhecer de perto tudo aquilo que oferecem!

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

MIMA HOUSE

2012-01-26T07:16:00.001-08:00

MIMA House: uma casa pré-fabricada e low cost made in Portugal

O escritório de arquitectura português, Mima Architects, criou uma casa que custa tanto como um carro de gama intermédia e está pronta em dois meses. O projecto baseia-se num rectângulo de 36 metros quadrados com grandes janelas por todo o lado, e num espaço onde podem ser adicionadas paredes, tanto no interior como no exterior. Apesar do seu método de construção padronizado, o projecto foi feito de forma a que a casa possa ser customizada de diferentes formas.

Esta casa é estruturada por vigas e colunas, as janelas são de vidro duplo e subdividem o espaço em módulos de 1,5x3 metros com molduras de madeira maciça com dobradiças para que se possam abrir como se fossem portas. Estas casas têm painéis de madeira compensada que podem ser colocadas dentro e fora da construção de forma a substituir uma janela por uma parede num curto espaço de tempo, criando em simultâneo privacidade e comodismo quando necessário. O interior caracteriza-se por uma grade regular de 1,5 metros cujas linhas intermediárias deixam lacunas para serem preenchidas por paredes internas que podem ser adicionadas sempre que necessário, ou transformá-la num open space.

E ainda há mais: cada face da parede pode ter cores e revestimentos diferentes consoante o desejo de cada utilizador. O cliente pode personalizar a casa a partir de dois modelos pré-existentes: o studio com 18 metros quadrados e o loft com 36 metros quadrados. Depois o cliente decide os materiais, os acabamentos de cozinha e as loiças sanitárias, e tudo isto pode ser personalizado no próprio website da MIMA.

Bastaram algumas imagens da MIMA House na Internet para choverem encomendas destas casas pré-fabricadas oriundas de países como Brasil, Chile, EUA, Canadá, entre outros. Este projecto foi criado pelos arquitectos Mário Sousa e Marta Brandão, de 27 e 26 anos respectivamente, actualmente a trabalhar a partir da Suíça mas com escritório em Viana do Castelo. É igualmente no norte de Portugal que a MIMA House é produzida, uma produção criada pela rapidez e baixo custo.

Este conceito diferente de casas provém das casas japonesas que são, para os arquitectos responsáveis pelo projecto, o perfeito paradigma da leveza, flexibilidade, conforto e linhas agradáveis. O tradicional método japonês de construir pode ser considerado inerente ao sistema de pré-fabrico que a Mima Architects utiliza: baseado em espaços regulares de colunas conhecidos como jen e os elementos construtivos (telas shoji, painéis fusumi e tatamis) que podem ser encaixados como verdadeiras peças de um puzzle.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

MORDOMIAS

2012-01-25T06:53:00.001-08:00

Mordomias: Objectos contemporâneos, resistentes e inovadores no design

A Mordomias é uma empresa que concebe, fabrica e comercializa objectos de decoração. Trabalha estes objectos tendo como premissas as características contemporâneas de design e a sua execução em materiais como a fibra de vidro e a resina, que permitem o seu enquadramento em ambientes interiores e exteriores devido à sua impermiabilidade e resistência. A colecção de que a Mordomias dispõe tem um leque de cores muito variado, o que garante muita elasticidade na integração das peças em propostas decorativas. A Mordomias esteve presente na Maison & Object, em Paris, que decorreu de 20 a 24 de Janeiro.

Na Mordomias podemos encontrar vasos, cadeiras, objectos de iluminação, mesas, taças, e bares. Nos vasos têm disponíveis o Tree, Egg, Buble, New e Roller (vasos opacos ou translúcidos), Mur (vaso opaco), Open (mesa ou floreira opaca ou translúcida), New (vaso prismático opaco ou translúcido). Nas cadeiras encontramos a Flower (cadeira com estofo), Moon (cadeiro com ou sem estofo), Loby (sofá com estofo), Rest (banco), Eclipse (cadeira opaca), FullMoon (sofá), LongMoon (chaise longue), Loby (sofá), Rest (banco), ÉME (cadeira), e LN (chaise longue). Na iluminação também há ofertas diversificadas: Esfera (esferas iluminadas translúcidas), Bambu (kit de iluminação, opaco ou translúcido), Open (candeeiro esférico suspenso com cabos de aço, com 1 ou 2 cores), Gotas (gota opaca ou translúcida, com 1 ou 2 cores, suspensa com cabos de aço, com kit de iluminação e kit de fixação ao chão), Avis (candeeiro de pé, ou de mesa ou de secretária), Set (candeeiro suspenso com fio de seda ou candeeiro esférico com aplique), Ping (candeeiro), Mine (candeeiro), e Drop (gota pequena, opaca com 1 ou 2 cores, suspensa).

Suspensão SET

Suspensão DROP

A Mordomias tem mesas muito variadas: Sight (mesa de apoio opaca ou translúcida, com rebordo), Memmo ou Mini Memmo ou Half Memmo (mesa redonda), Bonsai (mesa floreira opaca ou translúcida, interior oval), Mutant (mesa), Stretch (mesa), Avis (mesa de apoio), House (mesa rectangular), ÉME (mesa), Resort (mesa redonda com ou sem espelho), Open (mesa oval ou floreira com 1 ou 2 cores, ou mesa oval com corte na diagonal em inglês ou ainda mesa com tampo de vidro excêntrico), Dinner (mesa oval), Bar (mesa de apoio esférica ou mesa de bar), Box (bases opacas ou translúcidas), Tamborete (tamborete opaco ou translúcido). O Kup (taça de interior de ouro ou prata) e o Balance (taça dupla facetada) são as ofertas da Mordomias nas taças. Nos balcões de bar também há uma oferta diversificada na Mordomias: o Lounge Bar (balcão de bar de meia esfera), o Season (consola), o Sefl-Service (balcão self-service), o Longwave (balcão de bar) e o Wave (balcão). E o lounge bar é um balcão de meia esfera. No meio de tanta variedade, o difícil será escolher o produto que mais nos cativa!

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

JOÃO FERRO MARTINS | ARTISTA PLÁSTICO

2012-01-24T04:56:00.001-08:00

João Ferro Martins na Caroline Pagès Gallery com F.O.R.M.E.L.

F.O.R.M.E.L. que deriva de Faux, Ordinaire, Revêche, Manipulateur, Egoïste e Lascif é a nova exposição de João Ferro Martins, que poderá ser visitada na Caroline Pagès Gallery na Rua Tenente Ferreira Durão, em Campo de Ourique, até ao próximo dia 18 de Fevereiro. Esta é a primeira exposição individual de João Ferro Martins na Galeria Caroline Pagès, um artista nascido em 1979 em Santarém e formando em 2007 em Pintura pela ESAD nas Caldas da Rainha. João Ferro Martins foi o fundador do colectivo de performance A Kills B com Hugo Canoilas, um projecto desenvolvido em instituições internacionais e no início de 2012, A Kills B irá desenvolver um projecto no CAM da Fundação Caloute Gulbenkian, em Lisboa.

Esta exposição foi criada em torno dos trabalhos mais recentes de João Ferro Martins, e encontramos uma linha estética que se vai desdobrando de uma forma mais particular. Em alguns objectos somos quase imersos num estado abstracto associado a um jogo que se revela por uma narrativa evidente ou por uma simulação de um discurso através de uma linguagem totalment visual. João Ferro Martins através das subtilezas de um acidente, debruça-se em torno dos objectos e dos homens, dos seus defeitos e fragilidades e da sua importância perante o abismo inevitável.

O seu trabalho já foi apresentado em conceituadas instituições como a Fundação caloute Gulbenkian em Lisboa, por ocasião da exposição “7 Artistas ao 10.º Mês”, em 2008 com curadoria de Filipa Oliveira. O seu trabalho também já esteve presente no Centro de Artes de Sines na exposição “A Vida Secreta das Palavras” em 2010 com curadoria de João Pinharada. João Ferro Rodrigues também já expôs o seu trabalho nos Países Baixos, na Academia de Arte e Design AKV em s-Hertogenbosch no Bosch Young Talent Show que decorreu em 2010. Desde o ano de 2000 que este artista tem somado participações em diversas exposições em diversos centros de ates privados como BES Arte & Finança, Appleton Square, Arte Contempo e ainda em espaços independentes em Portugal como no Hospital Júlio de Matos, no Espaço Avenida, na Cabine, no Hangar 7/Fundição de Oeiras, no Bartolomeu 5, entre muitos outros, e ainda teve exposições em galerias de renome como Nuno Centeno, Sopro e Zaum.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

ALEXANDRA PRIETO | EXPOSIÇÃO

2012-01-23T08:22:00.001-08:00

IT’S ABOUT LOVE, nova exposição de Alexandra Prieto no MAC

O MAC – Movimento Arte Contemporânea e a artista plástica, Alexandra Prieto, irão inaugurar no próximo dia 2 de Fevereiro às 19h, a exposição “IT’S ALL ABOUT LOVE”. A exposição, que mostra a vertente de escultura, pintura, desenho e instalação de Alexandra Prieto, estará patente ao público de Segunda a Sexta-feira das 13 às 20 horas e aos Sábados das 15 às 19 horas, no número 58/60 da Avenida Álvares Cabral, em Lisboa. Segundo dita Álvaro Lobato de Faria, “A obra plástica de Alexandra Prieto recria novas formas e atitudes que ao abrirem um novo espaço formal de contemplação, introduzem e alargam o campo da arte e podem ser analisados hoje como objectos percepcionalmente plásticos onde o pressuposto estético fica envolvido no artístico.”

Tendo como ponto de partida cartas de amor dos anos 20, 30 e 40, a artista explora estados emocionais, reações psíquicas, lugares menos óbvios e transmite-nos como isso a e nos afecta, construindo assim uma exposição sobre o amor que, sob a forma que for, é um movimento que nos move na vida. Como Alexandra Prieto dita, “No fundo, ou apesar de tudo, o que procuramos senão o Amor? “Tudo começa, está e acaba aqui.” E assim surge uma verdadeira viagem entre as diferentes formas de amar! Porque “IT’S ALL ABOUT LOVE”.

Alexandra Conde Prieto, nascida em Lisboa em 1977, é licenciada em escultura pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa e ainda com o curso de Desenho da Sociedade Nacional de Belas Artes de Lisboa, designer gráfica de profissão nos últimos 10 anos. Desde 1993 que tem exposto em várias galerias um pouco por todo o país. Tendo aparecido ao publico pela primeira vez na exposição colectiva denominada “Desejo de Ser Artista”, na Câmara Municipal de Almada, a artista foi responsável em 2011 pela exposição de pintura, escultura e ilustração, “A Prieto e a Cores no Porto”, patente na Gallery Hostel no Porto e ainda a exposição individual de pintura e ilustração “Art on Shoes” no Forte de S. Jorge dos Oitavos em Cascais, entre outras.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

BOCA DO LOBO - HERITAGE

2012-01-20T02:48:00.001-08:00

Boca do Lobo apresenta azulejo português em Paris

Pela quarta vez consecutiva a Boca do Lobo foi a marca tendência escolhida pela prestigiada agência de tendências Nelly Rodi para a sua selecção de tendências anual, apresentada na Maison et Object, Heritage Sideboard em Paris. Este ano esta escolha tem um sabor especial porque eleva a joalharia portuguesa a todo o mundo, através da mais recente Limited Edition da Boca do Lobo que faz a azulejaria portuguesa brilhar no seu máximo esplendor. “Não havia melhor forma para iniciar este ano de 2012. Para mim é um prazer trabalhar com estes artesãos que ainda temos em Portugal e que são uma inspiração todos os dias. O azulejo português vai mesmo conquistar o mundo!”, desabafou satisfeito Marco Costa, Creative Director da Boca do Lobo.

Depois da apresentação e sucesso do primeiro Heritage num cabinet de edição limitada composto por um painel de azulejos pintados à mão e totalmente inspirados na azulejaria nacional, surge o Heritage Sideboard que consagrou esta homenagem à azulejaria e provou que a mesma é um patriomónio valioso reconhecido além-fronteiras. Segundo Ana Gomes, Directora de Marketing da Boca do Lobo, “esta selecção como tendência para 2012 é mais uma prova de que a nossa paixão pela recuperação das artes manuais do nosso país faz todo o sentido e há um mundo inteiro preparado para as admirar se as soubermos transmitir e comunicar. Os artesãos são ainda alguns pelo país espaçlhados e temos que fazer com que estas artes não se acabem.” E fica a promessa para o futuro: “A Boca do Lobo continuará na sua missão em busca do que de melhor se faz em Portugal e da sua reinterpretação através do design.”

A edição limitada da Boca do Lobo, Aparador Heritage, apresenta diferentes camadas de azulejos onde cada uma delas conta uma história diferente. É como se fosse um heritage que atravessa diferentes épocas e séculos e que juntos original um painel final. Nas diferentes camadas podemos encontrar diferentes pinturas em azulejo inspiradas em diferentes períodod da história de Portugal, retirados de vários edifícios históricos de cada época, como convento, colégios, igrejas e muitos outros. No interior encontramos folha de ouro que faz com que nos recordemos dos edifícios mencionados anteriormente, e que normalmente apresentam interiores ricos em ornamentos e dourados. Assim, com este aparador da Boca do Lobo a história surge-nos através do azulejo e aí permanece imaculável e de forma perecível. Pode conhecer um pouco mais sobre tudo isto em www.bocadolobo.com

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e

BOP BY JOÃO VILLAR

2012-01-20T02:44:00.001-08:00

BOP, um copo com design de João Villar

João Villar desenhou um copo há cerca de dois anos. Algo habitual. No entretanto arranjou um contacto na Marinha Grande, a capital do vidro, e mandou produzir 1.000 copos que podem ser encontrados em duas lojas em Belém, na Hangar e na Original, agrupados em conjuntos de quatro copos por caixa.

João Villar, formado em design industrial pela IADE, chamou a estes copos, BOP, que deriva dos bonecos “sempre em pé” que em inglês se diz “Bop Toy”. São copos em esfera que se aguentam em pé devido ao peso no seu centro gravitacional, ou seja, na base. Este é um copo que se orgulha por ser produzido na totalidade em Portugal. Existem três tipos de copos BOP, os transparentes, os brancos e os pretos, cada um deles com características muito distintas e que fazem a diferença nas mais diversas ocasiões onde possam ser utilizados.

O BOP transparente caracteriza-se por ser simples e universal e por isso combina com qualquer serviço e fica elegante em qualquer mesa, em qualquer jantar ou almoço. O seu mentor promete que o BOP transparente vai ser tema de conversa durante o jantar! O BOP branco é simples e elegante e combina de uma forma extraordinária com um serviço colorido e com mesas que tenham muita cor, seja na toalha, nos pratos, nos talheres ou mesmo nos guardanapos. Funcionam de forma mágica para servir uma bebida mais colorida e também prometem ser um bom tema de conversa durante uma qualquer refeição. Por outro lado, os BOP pretos são igualmente simples mas distinguem-se pela sua modernidade. Combinam bem com serviços de tons neutros e mesas com design moderno. E João Villar promete um BOP em edição especial com vidro de uma ilha especial, algo que ainda mantém em segredo. O mistério fica no ar a pensar no próximo BOP! Como será? Para o futuro também antevê a produção de copos BOP de outros tamanhos e materiais.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

CAROLINA BERNARDO

2012-01-20T02:43:00.001-08:00

Carolina Bernardo, peças únicas com tradição

Carolina Bernardo é uma jovem designer portuguesa que gosta de fazer coisas para transportar coisas. A ela esta associado um projecto com o mesmo nome.

Nos objectos que desenvolve, Carolina Bernardo pretende aliar dois estilos distintos: o tradicional e o contemporâneo. Através da mistura de objectos com um carácter histórico, como é o caso das rendas e dos botões, com materiais mais vanguardistas, visa satisfazer um público jovem, cosmopolita e dinâmico. É assim, com base no artesanato típico português que Carolina Bernardo imagina, investiga, cria, fotografa, dá a cara, comercializa e tudo o mais que estiver relacionado com este projecto, porque este é já parte integrante da sua vida. A própria dita que “mais do que um negócio, o projecto Carolina Bernardo é uma paixão, uma forma de vida”.

Tendo bases no artesanato português, busca influências nos quatro cantos do mundo, conseguindo assim criar objectos divertidos, com uma identidade singular e cativante. Do portfólio desta artista constam alcofas, cestas de picnic pequenas e médias (lancheiras), malas, pulseiras, colares e outras peças que vai desenvolvendo conforme o seu mood. Tanto acorda com o desejo de personalizar uma cadeira e agarra em tintas, como pode também pegar em tecidos e dar uma nova vida a peças de roupa em desuso.

Nas alcofas é possível encontrar uma enorme variedade de estilos e todas elas diferentes (não há duas peças iguais!!). Há com corações gigantes cheios de boa energia e amor, há elefantes, gatos, folhos e berloques. São a imagem de marca de Carolina Bernardo, um cesto gigante para ir às compras no mercado ou no centro comercial, para ir à praia, andar pelo campo, pela cidade, para divagar e viajar... O resultado é surpreendente e sempre muito original!

Mais recentemente desenvolveu e apresentou uma linha de clutches. Após várias tentativas infrutíferas de encontrar nas lojas que frequentava, malas pequenas que satisfizessem os seus requisitos, considerou que a melhor opção seria criar a sua própria linha. Com a experiência adquirida no ano anterior com um projecto de malas, construiu um novo protótipo – uma clutch com dois tipos de alças amovíveis. Um alça curta para usar a bolsa como se fosse uma pulseira e uma alça comprida para usar ao ombro ou à tiracolo. Precisa de uma mala diferente para o dia-a-dia ou para uma ocasião especial? Carolina Bernardo tem várias propostas, adequadas a um vasto e diferente público.

Para além destas “coisas para transportar coisas”, pode também encontrar uma colecção indeterminável de pulseiras – o acessório mais trendy da estação! Havendo modelos pré-definidos, é possível escolher cores, dimensões entre outros pequenos pormenores.

Porque não visita as criações de Carolina Bernardo e escolha a sua peça favorita? Em www.acarolinabernardo.blogspot.com conhece tudo o que esta criadora tem para lhe oferecer, ou pode ser contacta-la por email: acarolinabernardo@gmail.com

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

MURO DA FELICIDADE

2012-01-20T02:42:00.001-08:00

Muro da felicidade: a arte a arrancar sorrisos

Lisboa tem desde o passado Sábado, dia 14 de Janeiro, o Muro da Felicidade patente na Avenida da Índia em Lisboa, e que reuniu 138 fotografias de pessoas diferentes mas com algo em comum, um sorriso. Este é um projecto de arte urbana que tem como lema, “a arte pode mudar o mundo”, inspirado pelo trabalho do fotógrafo francês JR que em 2011 venceu o Prémio TED (Technology Entertainment Design) com o projecto Inside Out, que desafiava pessoas de todo o mundo a mudarem a sua comunidade através de retratos gigantes expostos em locais públicos. JR acredita que aquilo que vemos muda aquilo que somos!

O Muro da Felicidade faz parte do projecto Inside Out, e ambos os projectos têm como objectivo a participação de pessoas comuns em projectos de arte urbana através da transformação de fotografias a preto e branco em grandes posters, com medidas similares. Estas fotografias são verdadeiras peças de arte e o objectivo é colocá-las em locais principais e criteriosamente seleccionados em várias cidades de todo o mundo. Em Portugal o projecto partiu de três mulheres que pretendiam espalhar grandes e sinceras gargalhadas e simultaneamente um pensamento positivo.

Pensamento positivo foi, exactamente, o lema escolhido para a exposição em Lisboa pelas três mulheres que organizaram o evento: Joanne Gatefield, Alexandra Dias e Isabel Pinto! Não hesitaram neste lema porque, segundo confessam, os desafios actuais do país assim o pedem, e por isso querem colocar as pessoas a olhar em frente, com boa energia e, se possível, com uma grande gargalhada!

O que realmente o faz feliz? Nem sempre pensamos nisto mas há quem nos queira fazer pensar. E por isso surge este projecto, Muro da Felicidade, uma exposição de fotografia feita por todos os que aderiram a esta iniciativa e para todos os que tiverem curiosidade em dar uma espreitadela à Avenida da Índia em Lisboa, ou que sem querer, passem de carro e admirem as centenas de fotografias coladas nos muros da Avenida da Índia. A ideia é colocar as pessoas a reflectir sobre aquilo que realmente as torna felizes, e mostrarem isso através das suas fotografias que decorrem de um momento especial, uma sensação mágica e única, um lugar que lhes ficou marcado, uma pessoa, uma ideia ou até um detalhe que mais ninguém dá atenção. Este projecto ou movimento, se assim lhe quisermos chamar, nasceu em Barcelona e este ano realiza-se em 20 cidades um pouco por todo o mundo e em simultâneao, no mesmo dia e hora.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

CARPET SENSE

2012-01-11T00:51:00.001-08:00

CarpetSense, uma marca portuguesa de tapetes manuais

Criada em 2010, a CarpetSense é uma marca portuguesa que produz tapetes de forma manual. Tudo começou com o sonho de duas pessoas apaixonadas por tapetes e pela sua estética e com experiência suficiente para embarcar num projecto que permitisse produzir tapetes de qualidade e respeitando elevados padrões de conforto. Pretendem com a CarpetSense criar uma marca que represente o design actual com as tecnologias eficientes em interacção com os métodos tradicionais de produção têxtil que há muitos anos fazem parte do património artístico e cultural português. Esta marca portuguesa, criada por Susana Godinho e Joana Pais (Joana Pais e Susana Godinho), e localizada em Espinho, no Norte de Portugal, esteve presente na última ModaLisboa|Transfusion com a exibição de um tapete feito à mão colocado na entrada da sala Club.

Além disso, na CarpetSense há uma preocupação enorme com o meio ambiente, estando a preservação do Planeta na base de todo o trabalho desenvolvido pela CarpetSense, e por isso, 95% dos seus produtos derivam de materiais reciclados. Ou seja, reciclam os fios que recebem e utilizam-nos para produzir tapetes confortáveis que se destacam pela sua elevada durabilidade. Todos os tapetes da CarpetSense são feitos de forma artesanal, em teares semi-manuais, por profissionais experientes que tornam cada tapete único.

A colecção da CarpetSense é construída com quatro tipos de materiais: fio de argola (conjunto de fios de algodão misturados para obter um efeito mesclado e com muita textura), fio de argola com Lurez (LurexÒ) (conjunto de fios de algodão misturados com fios de LurexÒ ou fibra sintética, obtendo assim um efeito mesclado e metalizado, com textura e brilho subtil), fio de argola com fio Glow in the Dark (conjunto de fios de algodão misturados com fios que têm filamentos luminescentes ou fibra sintética que absorvem a luz durante o dia e durante a noite brilham) e tirela de malha de algodão (tiras de malha de algodão tingidas e aplicadas no tear que originam um efeito compacto com cor uniforme).

Mas o que é diferente nos tapetes CarpetSense? Não largam pêlo, possuem uma dupla face o que aumenta a sua durabilidade, e são robustos e duráveis e suaves e confortáveis através dos materiais utilizados. Outra das características destes tapetes é o facto de serem únicos e diferentes de tudo o resto que é feito, tendo uma estética contemporânea aliada a processos de produção artesanal e tradicional.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

CRISTINA TROUFA

2012-01-04T01:02:00.003-08:00

Cristina Troufa, uma artista portuguesa de emoções e detalhes

Sombras no sotão 150 x 100

Os trabalhos de Cristina Troufa reflectem influências do país onde nasceu, cresceu e actualmente reside, Portugal. Existe um tema predominante e permanente em todos os trabalhos de Cristina Troufa, inspirado por provérbios e expressões populares portuguesas. Esta pintora portuguesa também é conhecida pelos detalhes e a forma como recria o quotidiano através de expressões faciais claramente exibidas pelo seu talento em termos técnicos. As personagens que Cristina Troufa cria estão abertos à interpretação e questionam quem as visualizam sobre aquilo que está a acontecer.

A Lição 100x130

Cristina Troufa é formada em Artes Plásticas – Pintura, pela Faculdade de Belas-Artes do Porto, frequenta o mestrado em Pintura na mesma faculdade e é Co-fundadora da Associação de Escultura e Arte Contemporânea (EACA). No ano de 2011 foi responsável por quatro exposições individuais: “O Eu Narcisico” na Galeria Palpura; “A máscara reflectida no Espelho” na Galeria ASVS no Porto, na Galeria Metamorfose também no Porto e “Vestir a Pele” na Biblioteca de Penafiel. Em 2010 recebeu a Menção Honrosa pelo VIII Certamen International de Artes Plásticas “Aires de Córdoba”, em Espanha, tendo um ano antes também garantido uma Menção Honrosa na 6.ª Bienal Internacional de Arte Jovem de Vila Verde. Desde 1995 que Cristina Troufa participa em exposições colectivas e individuais, tanto em terrenos nacionais como internacionais. Podemos encontrar alguns dos seus trabalhos na revista Tabu do Semanário SOL, nas ilustrações para o livro “Palavras de Fernando Pessoa” da Editora Centro Atlântico, no catálogo Arte Lisboa 2007 e ainda no livro “A Arte no Desporto” da Livraria Linhares

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Carlos Ascensão fala sobre Cristina Troufa e a sua exposição “Nós os Animais”, que esteve patente na Galeria Abraço em Lisboa em 2005, realçando a sua “necessidade de expressar o traço com firmeza. As cores, profusamente aguerridas, são a tonificação necessária para nos transportar à envolvência de histórias ou factos outrora ocorridos na sua vida particular ou criados com propósitos bem definidos.” E caracteriza o que mais se destaca nesta exposição: “a expressão das faces envelhecidas rivalizam com a mestria do traço nas novas composições que reúnem seres animais com seres humanos.”

Escrever de novo 100x86

E também Richard Zimler comentou a exposição “O Eu Narcisico” de Cristina Troufa, na galeria Palpura em Lisboa, com palavras que caracterizam o trabalho desta artista portuguesa: “Ao ver as pinturas de Cristina apercebi-me claramente da sua extrema mestria na representação das complexas emoções e sentimentos manifestados pelos seres humanos e que Darwin pretendera explorar. Não é coisa fácil de conseguir – na verdade, muitos foram os artistas, por excelentes que fossem, que ao longo dos séculos fracassaram no intento de representar a face humana em pintura com fidelidade e intensidade. De certo modo, não há nada de surpreendente; exigem-se excepcionais capacidades técnicas e poderes de observação para representar em pintura um sentimento complexo como aquele em que, por exemplo, dúvida e temor se confundem. Ou o sentimento de pânico controlado. Ou pintar uma emoção tão subtil como a reserva. É espantoso como Cristina Troufa consegue de forma tão coerente representar tais sentimentos na sua pintura.” E conclui que “ao fim e ao cabo, é quem vê que terá que fazer a sua própria interpretação, naturalmente.”

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“A máscara reflectida no Espelho” patente em 2011 na Galeria ASVS no Porto, retratava a forma como nos vemos e nos relacionamos com o nosso eu interior, tudo isto espelhado num objecto artístico. Isto foi o que Cristina Troufa apresentou nesta exposição de pintura ditando que “temos de nos amar primeiro para amarmos o próximo.” E questiona nos trabalhos apresentados nesta exposição: “Mas podemos falar de um amor saudável e de um amor negativo ou mal direccionado (logo, não-amor)?”

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

RITA VARGAS

2011-12-27T04:56:00.001-08:00

Rita Vargas pelo mundo em busca de uma linguagem sua

Rita Vargas, uma artista portuguesa nascida em 1981 em Évora, já viveu e até sobreviveu em muitos locais do mundo, o que lhe permitiu ter múltiplas experiências pessoais aliadas ao conhecimento adquirido com a formação e investigação que nunca descurou ao longo dos anos. E assim surge uma artista portuguesa versátil e que já é um nome incontornável no mundo artístico nacional e internacional.

Sobre o seu trabalho Rita Vargas descreve os seus momentos de criação desta forma: “No atelier são imensas as horas que se passam em busca de uma linguagem plástica própria que resulta da assunção de experiências vivenciais fortes... da exploração de conjugação de símbolos da cultura visual, cores do mundo em que estou a viver... do país, da estação do ano... da dor que sinto, da alegria... do que vejo, do que amo. Posso dizer que sofro de uma ansiedade profunda que magoa cá dentro e que apenas se liberta quando descanso o olhar nas cores, no gesto, no movimento... nem que seja das ondas que explodem nas pedras. Os sentidos misturam-se na criação, a música dá-me alento e a régua, o papel, o metal, o x-acto, a tinta, o pincel e a temperatura dão-me vida.” E como surge tudo? “É no vazio, no branco imaculado da parede... onde está colado o círculo de cores... é de um sentir desesperado que imerge a criação. Foi aqui e tem sido ao longo de um percurso de compulsivo criador onde nascem novas linguagens... uma fórmula inquietante, uma falta de juízo, digamos assim... é que pára tudo: o tempo, a lógica, a razão, a regra, o imposto, quem passa ao lado... e nasce tudo outra vez... a calma, a alegria, o prazer.” As peças de arte produzidas por Rita Vargas passam pelas esculturas, gravuras, fotografia, desenho, pintura e livros de artistas.

Tem acumulado prémios e variados reconhecimentos ao longo dos anos: foi bolseira de Mérito pela Universidade de Évora de 2002/2003, 2003/2004 e 2004/2005; bolseira do Programa Erasmus em Winchester School of Arts na Universidade de Southampton no Reino Unido em 2004; teve residência artística em Nishiaizu International Art Village em Nishiaizu/Shingo em colaboração com o Instituto Camões/Centro Cultural de Tóquio de 2007 e 2008; obteve um estágio internacional no Centro de Gravura de Jyväskylä na Finlândia em parceria com o Programa INOV-Art, em 2009/2010; o 3.º Prémio do Concurso de Fotografia “As Vistas da SHE” no âmbito das Comemorações do 161.º Aniversário da Sociedade Harmonia Eborense em 2010 e venceu o 1.º Prémio de Multicoloured Dreams da Street Art Peace Project no Verão de 2011 em Helsínquia, na Finlândia.

Com uma licenciatura em Artes Plásticas no Departamento de Artes Visuais na Universidade de Évora e na Winchester School of Arts, da University of Southampton no Reino Unido, Rita Vargas já viveu no Japão na residência artística Nishiaizu International Art Village e vive agora na Finlândia onde no Centro de Gravura de Jyväskylä, considerado o maior centro de Gravura da Europa, desenvolve a maior parte do seu trabalho gráfico, sentido-se em casa nas diferentes técnicas de calcografia e serigrafia... No Verão de 2010 realizou uma experiência artística no Centro Cultural de Évora no Departamento de Escultura de Pedra e em Hamburgo na Villa Magdalena K, grupo intelectual feminista criado há cerca de 20 anos e que que desenvolve, para além da técnica de Serigrafia, a produção de livros e tipografia, acolhendo e promovendo ao mesmo tempo, exposições de arte contemporânea, artistas em residência e workshops.

Actualmente realiza Doutoramento em História de Arte no Departamento de Estudos de Arte e Cultura da Universidade de Jyväskylä, na Finlândia, sendo bolseira da Fundação para a Ciência e Tecnologia. O seu tema de doutoramento está relacionado com os países por onde viajou e também com a interpretação do trabalho criativo produzido por artistas nómadas, ou artists-in-residence.

No Verão do ano de 2011, realizou um projecto artístico colectivo “What Remains”, tendo desafiado artistas visuais Finlandesas – Maija Holma, Minja Revonkorpi e Päivi Hintsanen – a visitarem Portugal e a interpretarem a representação de Ex-Votos que se encontram em diversas Igrejas do Concelho onde nasceu – Évora. As artistas procuraram construir pontes culturais e estreitar laços de amizade entre o Norte e o Sul da Europa. Procuraram reviver e relembrar histórias e tradições num ambiente onde o mistério, a fé, a luz, a penumbra e a promessa fizeram parte da alquimia mágica da criação artística contemporânea que esteve representada através de fotografia, instalação, gravura, escultura e pintura. A exposição recebeu 900 visitantes no Palácio D. Manuel, um dos mais belos e representativos edifícios da história de Portugal e da cidade. Após esta exposição, recebeu convites para Helsínquia, onde o mesmo grupo expôs na Galleria Broms, sob o convite de Carola Broms, e ainda irá expôr na Galleria Nunes, sob convite de Joana Ribas, Galerista Portuguesa igualmente residente na Finlândia.

O seu imenso trabalho tem sido exibido a nível nacional e internacional e podemos encontrá-lo em colecções privadas e públicas em Portugal, Reino Unido, França, Itália, Alemanha, Japão, Bélgica e Finlândia. Mais especificamente podemos encontrá-las no Departamento de Artes Visuais da Universidade de Évora, na Associação de Gravadores de Évora, na Galeria ArteContempo em Lisboa, no Instituto Camões/Centro Cultural de Tóquio, no Nishiaizu International Art Village no Japão, no Kentaro Sato Art Village no Japão, na Galeria Becker e em Jyväskylä Taideomuseo na Finlândia. Além disso, Rita Vargas já tem muitas das suas obras publicadas em teses de doutoramento e outras publicações sobre a Teoria da Arte em Portugal. E além disso, ainda realizou parte do cenário do filme “The Botanist” de Francis Manceau.

Poderá encontrar igualmente a publicação de alguns dos seus artigos no seu website www.ritavargas.net, onde procura descrever a criação artística sob o ponto de vista de uma História da Arte que se contrói num tempo de praxis e reflexão.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

LUÍSA PEIXOTO | CAMA CÔCO

2011-12-19T13:46:00.003-08:00

Cama CÔCO para animais, de Luísa Peixoto

Luísa Peixoto, uma reconhecida designer portuguesa, apresentou uma nova peça desta vez direccionada para os animais, sobretudo cães, porque eles também merecem um miminho e ter um local de requinte para descansar.

Para reconhecer a dedicação dos cães aos seus donos e a importância que merecem pela sua lealdade constante, Luísa Peixoto desenhou e criou uma cama, à qual chamou CÔCO. Encontra-se disponível em madeira (pau santo, carvalho, olho perdiz, nogueira) e lacados (com muitas cores disponíveis), tudo ao gosto do dono do animal. As opções ao nível do revestimento passam pelos tecidos anti-alérgicos e suaves para dar o necessário aconchego e protecção ao seu animal.

Esta cama CÔCO é um autêntico refúgio para o seu ou os seus cães, que tornam a sua vida mais completa, que lhe sorri sempre com um simples mas apetecível abanar da cauda. Numa verdadeira mostra de amizade e lealdade para sempre. Não acha que merece assim uma prenda para o Natal?

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

PLANETA TANGERINA

2011-12-19T13:46:00.001-08:00

Descubra o mundo maravilhoso do Planeta Tangerina

Acha que existe um Planeta chamado Tangerina? Garanto-lhe que sim! Foi fundado em 1999 e como os próprios ditam no website (www.planeta tangerina.com) “destina-se a todo o tipo de comunicação para crianças e jovens”, tendo já participado em inúmeros projectos editoriais destinados aos mais pequenos onde são especialistas em criar “o conceito, a concepção de conteúdos e ilustrações e todo o trabalho gráfico” exigido pelo trabalho em si. A comunicação é a base desta empresa portuguesa que se dedica a livros, revistas e documentos pedagógicos, e por isso comunicar de forma eficaz, com conteúdos claros e acessíveis a todos, não descurando da exigente qualidade das imagens e dos elementos gráficos.

Mas o Planeta Tangerina gosta mesmo é de criar álbuns, porque ditam que é aqui que “a imagem e o texto trabalham em conjunto terminando num resultado único, que não seria possível se o código visual e escrito não estivessem interligados, com ajustes e reajustes, em busca de um equilíbrio. Porque acreditam que ler um álbum não se limita a ler palavras, mas também imagens, ler sequências e não apenas um conjunto de páginas.” E assim se explica a relevância dada no Planeta Tangerina às capas, guardas, ritmos e mudanças de ritmo, à leitura de cenas e planos, detalhes e tipos de representação diferentes, fazendo sempre uma constante ligação entre elementos em movimento, com o ruído necessário, ou as pausas e o silêncio das páginas. Os leitores do Planeta Tangerina são crianças, mas também adultos que gostam de álbuns ilustrados e da sua forma ímpar de contar histórias.

Da equipa do Planeta Tangerina fazem parte Bernardo Coelho (ilustrador e designer gráfico, fundador do Planeta Tangerina onde já ganhou uma Mensão Honrosa no “Best Book Design From All Over The World” da Leipzig Foundation; “Melhor Livro Editado” no CJ Picture Book Festival da Coreia, Titan Awards, Prémio Nacional de Ilustração 2010, “Melhor Livro” pelo Banco del Livro na Venezuela, e Nomeação para a Lista de Honra do IBBY), Carolina Cordeiro (responsável pelo trabalho de design e paginação dos manuais escolares para o Grupo LeYa), Cristina Lopes (responsável pela distribuição de livros e gestão corrente do atelier), Isabel Minhós Martins (responsável pelos textos e conteúdos do Planeta Tangerina e uma das fundadoras desta empresa), João Abreu (designer, fundador e gestor do Planeta Tangerina), Madalena Matoso (ilustradora e designer gráfica, em 2008 ganhou o Prémio Nacional de Ilustração) e Yara Kono (ilustradora e designer gráfica, tendo já garantido em 2009 a Menção Honrosa no I Prémio Compostela para Álbuns Ilustrados e em 2010 ganhou o Prémio Nacional de Ilustração).

No Planeta Tangerina gostam de criar uma revista de raiz ou pensar em estratégias que envolvam ambientes ou grupos de personagens, reais ou fictícias. O trabalho do Planeta Tangerina foi recentemente reconhecido ao ser um dos nomeados ao Prémio ALMA 2012 (ALMA: Astrid Lindgren Memorial Award), considerado como o maior prémio internacional para literatura infantil e juvenil. E em Novembro de 2011, o júri da Ilustrate – Bienal de Ilustração para a Infância – ditou o italiano Valerio Vidali com as suas ilustrações para o livro “Um Dia, Um Guarda-Chuva” do Planeta Tangerina como o vencedor desta 5.º edição do concurso. Mas há mais: o livro “Depressa, Devagar” com ilustrações de Bernardo Carvalho foi seleccionado para a Lista de Honra do IBBY (associação sem fins lucrativos que representa uma rede internacional de pessoas que promovem o contacto das crianças com livros de elevada qualidade literária e artística), na Categoria de Ilustração.

E como uma editora que não pára de fazer coisas, no passado dia 9 de Dezembro na Faculdade de Belas Artes de Lisboa, o Planeta Tangerina, apresentou as suas últimas novidades, bem adequadas a presentes de Natal didácticos e com valor: “Como é que uma galinha...”, “Grande coisa”, “Todos fazemos tudo” e ainda o livro “Para onde vamos quando desaparecermos?”.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

SO WHAT?

2011-12-15T06:13:00.001-08:00

So What?PPP: exportugalar produtos portugueses

E que tal uma marca com nome em inglês mas que aposta na exportação de produtos portugueses? É assim a So What?PPP, que se assume como uma verdadeira atitude entusiástica, optimista e até provocante, que nasceu para simplificar a venda de pequenas criações para grandes mercados. E por isso agora há a oportunidade de serem conhecidos e vendidos por todo o mundo, dando a conhecer o que de melhor se faz em Portugal! Não é uma ideia genuína?

O PPP vem de: Products by Portuguese People;or /and Proudly Produced in Portugal

A So What?PPP é um carimbo que junta objectos e mercadorias num canal de distribuição alargado ao mundo inteiro. Além de juntar ideias e objectos bonitos e originais, colocam os mesmos a mexer no mercado internacional, chegando ao cliente com a garantia de qualidade da So What?PPP.

Por isso a So What?PPP convida todas as marcas e produtos nacionais a aderirem a este projecto e mostrarem-se ao exterior, sempre com o carimbo So What?. “Mudar/Conceber/Mostrar” são as palavras chave, e que reguem o dia-a-dia da So What?, porque acreditam que só assim conseguem explorar qualquer tentativa de promover e assumir uma agenda social e política de produtos oriundos das mãos criadoras portuguesas.

Desta forma assumem-se como uma plataforma de observação daquilo que os portugueses fazem e lançam para o mercado, não esquecendo artistas, curadores, autores, designers, jornalistas, arquitectos, entre outros, mas que se encontrem relacionados com áreas tais com: mobiliário, a cerâmica, revestimentos, vidro, acessórios de moda, ourivesaria bem como outros tipos de arte e concepção. Destas diferentes fontes de inspiração.Coma intervenção de designers com tão distintos percursos, pretende a So What criar uma proposta variada com uma diversidade de estilos, desde o elegante e sofisticado, passando pelo primitivo e indo até ao mais genuíno e moderno.

Na So What?PPP encontramos produtos de porcelana (Margarida Gorgulho e Studio Bgil), iluminação (Caruma), trabalhos artísticos(atelier 114), objectos de cortiça, mobiliário (Agua de Prata, My Own Superstudio, Ply&Co), brinquedos feitos à mão (Oficina do Alfredo), objectos diversificados (Há coisas de Cartão), acessórios de moda (Unico, Há Monstros Debaixo da Cama), estacionario (Fine & Candy), mosaicos (hidráulicos), terracotas; azulejos (colecção UNO: Faces; Poems; Textures), carpetes (Prugs e Terra) e origamis. A todos estes se veio juntar a Siver Collection, by Alvaro Siza.

Enfim um Portugal a mostrar lá fora!

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

JOÃO PEDRO VALE

2011-12-14T05:20:00.001-08:00

João Pedro Vale, artista plástico de renome internacional

João Pedro Vale, nascido em 1976 em Lisboa, já é considerado como um dos mais promissores artistas plásticos portugueses nas novas tendências artísticas da arte contemporânea do nosso país. João Pedro Vale já possui no seu currículo 1 prémio e duas presenças como artista residente: em 2008-2009 foi o Artista Residente na International Studio and Curatorial Program em Nova Iorque; em 2004 venceu o Prémio de Escultura da City Desk em Portugal, e em 2002 foi o Artista Residente na National Sculpture Factory, na Cork na Irlanda.

A obra de João Pedro Vale caracteriza-se por um permanente questionar da forma, das diferentes formas, dos seus significados e das referências de um universo há muito existente. A sua obra também pode ser inserida no neo-barroco que vai buscar as suas raízes ao movimento barroco do século XVII de Roma, onde se conotava o contraste social através da união entre o corpo e a alma, como o erudito e o popular.

Formado em Escultura pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa, tem apresentado desde há alguns anos diversas exposições individuais e participado em inúmeras exposições colectivas um pouco por todo o lado, tanto em terras lusas como no plano internacional. As peças concebidas por João Pedro Vale já fazem parte do espólio das mais prestigiadas colecções nacionais de arte contemporânea. Em 2011, João Pedro Vale já organizou duas exposições individuais, “Hero, Captain and Stranger”, no Artproject Cinema, no SVA Theatre em Nova Iorque e “P-Town, We Are”, na Nurture Arte em Brooklyn, Nova Iorque. Exposições colectivas também não faltaram neste ano que termina: “O Voo de Bumerangue – 10 Anos da Galeria Filomena Soares”, na Galeria Filomena Soares em Lisboa; “Ecos do Fado na Arte Portuguesa” no Pátio da Gale em Lisboa; “Provas de Cor, Obras da Colecção da Fundação EDPO”, no M|i|O – Musei da Imagem em Movimento em Leiria; “The First Last Decade” na Ellipse Foundation – Art Center em Cascais; “Obras da Colecção Luís Ferreira” no Centro Cultural Gil Vicente na Câmara Municipal de Sardoal; “O Consolo da Pintura” no Espaço Tranquilidade em Lisboa; e “Eu Podia Fazer Isto” no Espaço Atmosferas IPA, igualmente na capital portuguesa.

A exposição, “P-Town”, de João Pedro Vale e Nuno Alexandre Ferreira, concebida através de uma residência artística em Provincetown, nos Estados Unidos da América, foi inaugurada no dia 8 de Agosto de 2011 na Galeria da Boavista em Lisboa. Esta exposição gerou alguma polémica porque, poucos dias antes da sua inauguração, foi cancelada pela sua patrocinadora, a Companhia de Seguros Tranquilidade. Na altura, João Pedro Vale lamentou esta atitude por considerar ser uma censura ao tema da homossexualidade do conteúdo que a mesma exposição continha. A seguradora negou a discriminação tal como o cancelamento da mesma, e por isso pode ainda visitar esta exposição na Galeria da Boavista até ao próximo dia 8 de Janeiro, de Terça-feira a Sábado das 13 às 19 horas.

Esta exposição de temática homossexual incide sobre uma série de materiais recolhidos na cidade americana de Provincetown, que serviram para pensar na questão sexual em articulação com a arte e a sociedade. Como dita João Pedro Vale, “uma das pelas era uma franzine cuja capa mostra um monumento transformado em símbolo fálico, outra é um conjunto de toalhas de praia com inscrições em ‘stencil’ de frases como ‘Legalize butt sex’ ou ‘AIDS is killing artists, now homophobia is killing art’. João Pedro Vale já expõe individualmente desde o ano de 2000 e habitualmente assina obras com foco no tema da homossexualidade.

Em 2010, João Pedro Vale desenvolveu vários trabalhos em torno do filme “English As She Is Spoke”, tendo como responsabilidades o argumento e realizaçao. Este é um projecto realizado para a Galeria Fonseca de Macedo nos Açores e que consiste num conjunto de esculturas e de desenhos. O filme, com a duração de 46 minutos, apresenta uma série de esculturas e desenhos utilizados para a elaboração do filme ou desenvolvidos depois, tendo obviamente o filme como ponto de partida. Este projecto tem como ponto de partida o guia de conversação, “English As She Is Spoke – o Novo Guia da Conversação em Portuguez e Inglez, em Duas Partes”, publicado em 1855 por Pedro Carolino e José da Fonseca. Por ser uma obra com alguns erros é considerada como um dos grandes clássicos do humor não-intencional, uma vez que nenhum dos autores sabia verdadeiramente falar inglês.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

Inês D'Orey

2011-12-13T01:37:00.001-08:00

Explorar os locais sob o olhar de Inês d’Orey

Inês D’Orey, nascida em 1977 na cidade do Porto, desenvolve projectos pessoais no domínio da fotografia e trabalha como fotógrafa independente desde 1999, sobretudo na área da arquitectura e da cena. Tem formação superior em Relações Internacionais, Culturais e Políticas pela Universidade do Minho. Mas isso não a satisfez e com uma bolsa do Centro Português de Fotografia em 1999 rumou até Londres para tirar Fotografia pela London College of Printing até 2002. Cinco anos mais tarde arrecadava o importante e prestigioso Prémio Novo Talento Fotografia da FNAC. Desde 1999 que tem vindo a expôr o seu trabalho em Portugal e pelos mais diversos países do mundo.

Em 2010, Ines d’Orey publicou o seu primeiro livro, denominado “Mecanismo da Troca”, onde encontramos fotografias, colagens e apontamentos, inventados ou revisitados pela sua autora, e cruzados com palavras escritas por Eduardo Brandão, Filipa Leal, Hugo Gonçalves, Jacinto Lucas Pires, Leonor Baldaque, Luís Gouveia Monteiro, Marta Lança, Nuno Sobral e Raquel Freire. A coordenação desta obra ficou a cargo de Maria Burmester e o texto de introdução é da responsabilidade de José Luís Tavares. Segundo dita este último na nota introdutória ao livro, “foi a partir de Soundtrack que se inventou o Mecanimo da Troca.” E o que é o Soundtrack? É um projecto de Inês d’Orey onde esta artista explora as representações, os símbolos e os espaços da morte. Tudo isto está representado numa série de fotografias em grande formato e em que o olhar determinantemente subjectivo da autora permeia pelos conceitos e ideias que a fé, a religião e a cultura envolvente impõem sobre o tema. Por isso cada fotografia neste livro é acompanhada de som, ou música ou texto falado, tendo algumas fotografias um texto especificamente redigido para as mesmas. José Luís Tavares resume que este livro “é uma amálgama entrópica de imagens, ditos e coisas que se oferece para ser desfrutado, tanto de forma séria ou racional, como de forma sensorial ou sensacional. Este é o Mecanismo da Troca, compêndio de derivas, tormentos e algumas alegrias breves.”

Este ano, Inês d’Orey já fez três exposições individuais – “Douro Industrial” em Mirandela, o “Maria Borges House” no Porto e o “Porto Interior” no Centro Português de Fotografia no Porto – participou em quatro exposições colectivas – “Douro no Feminino” no Porto, “Normadic Settlers” no Settled Nomads em Kunstraum Kreuzberg em Berlim, o “Reino D’aquém e D’álem dor” nos Hospitais da Universidade de Coimbra, o “Tenho Fome, Troca-se por Arte” na Favorita do Bolhão no Porto, e ainda a “Residencial M” igualmente na cidade invicta.

Um dos seus trabalhos, Porto Interior, é um projecto que deriva de um interesse de Inês d’Orey por espaços estranhos e simultaneamente, familiares, que encontra ou procura na sua cidade natal, o Porto. a forma como vê esses espaços reflecte uma autêntica experiência urbana, totalmente da autora, que altera a identidade da cidade, transformando-a num conjunto de locais genéricos que poderiam estar em qualquer local. Na cidade encontra espaços incómodos e alguma asfixia da banalidade, intrinsecamente ligaros com a tristeza e a melancolia da proximidade e por isso as imagens são autênticos palcos, quase como no cinema ou no teatro ou mesmo num livro de ficção e muita acção, numa história sempre diferente. Inês d’Orey não é documentária desses mesmos locais e espaços, mas pretende ser investigadora e exploradora dos mesmos, tentando chegar o mais longe possível para aí ficar.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

PINKNOUNOU | ANA CARRIÇO

2011-12-07T01:27:00.001-08:00

Descobrir a mestria de Ana Carriço na PinkNounou

PinkNounou é uma marca portuguesa da designer gráfica Ana Carriço, que produz de forma artesanal todas as peças que apresenta. O conceito baseia-se sempre num produto português fabricado com materiais quando possível preferencialmente portugueses, numa linha encantadora e cheia de muitas cores e tecidos. A PinkNounou caracteriza-se pelas suas peças feitas manualmente, bonecos coloridos e divertidos, os conjuntos Softies&Tales (bonecos inspirados em histórias infantis que representam alguns dos personagens principais, o Capuchinho, o lobo mau... e que vem com um pequeno livrinho com a história) sem esquecer os acessórios para bebés como mantas, babetes, mudadores de fraldas, sacos para pijamas, toalhas. E para os mais crescidos também há uma vasta oferta, cheia de criatividade, desde malas, sacos, bolsas, todos caracterizados pela multiplicidade de cores, alegria e imaginação.

Esta é uma marca que, se ainda não conhece, tem de conhecer. Os bonecos são encantadores e apaixonantes tal como todas as cores, e tudo tem um toque especial e inesperado que nos deixa com um verdadeiro sorriso nos lábios. A paixão de Ana Carriço por ilustração infantil e artesanato, cores e texturas, não descurando a importância que dá aos detalhes, levou esta designer a descobrir e reinventar outros materiais além do papel. No início utilizava o feltro, depois os padrões dos tecidos que ia descobrindo no dia-a-dia e que lhe permitiam fazer experiências fabulosas e apaixonar-se por esta matéria-prima. Como dita a própria autora destes trabalhos: “a minha paixão pela ilustração infantil veio direccionar mais os meus projectos. A maior parte do meu trabalho é feita a pensar nos mais pequeninos, mas também nos grandes que valorizam o carácter único de uma peça feita à mão e que ainda gostam de brincar ao faz de conta.”

Os bonecos da PinkNounou surgem através de experiências que Ana Carriço faz com os vários tecidos, as texturas, os desenhos e ainda os rabiscos, e todos juntos dão vida a estes bonecos, ou mesmo a variados acessórios, roupa e máscaras para bebé e criança, malas e bolsas para os mais crescidos. E para breve está em construção uma nova colecção - PinkNounou LifeStyle.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

MURMUR | CAIXA EM U

2011-12-06T04:04:00.003-08:00

Caixa em U da MURMUR: a verdadeira união!

A nova colecção da MURMUR, com o nome de Caixa U, foi desenvolvida no atelier de design da MURMUR e faz parte de uma linha de acessórios de casa de banho que se diferencia pela sua utilização exclusiva da madeira enquanto matéria-prima. A colecção Caixa U é feita de madeira da Panga-panga ou carvalho, com um acabamento em mate intenso e é constituído por um toalheiro de banheira, um toalheiro de lavatório, um toalheiro de bidé e um porta-rolos.

O design desta colecção define-se fortemente pelas extremidades de suporte, designadas por "caixas U". Unidas por um varão central nos toalheiros lavatório e banho e no toalheiro pequeno e porta-rolo por uma só caixa. O desenho do U na caixa em alçado acentua o encontro do varão cilíndrico que gira livremente no pormenor de encaixe definido na peça unificando o conjunto. Elegante e contemporânea esta colecção distingue-se pelo uso único da madeira, um material nobre e quente que transforma assim a imagem do ambiente no quarto de banho.

De relembrar que a MURMUR foi criada por Ana Ribeiro na cidade do Porto em 2007, e desde então tem-se demarcado no mercado, sendo já uma referência no panorama do design e das artes em geral. O objectivo desta marca passa sobretudo pela promoção do design nacional, e também por isso os produtos que encontramos na MURMUR destacam-se por uma constante procura e evolução de ideias, apostando sempre na qualidade projectual como uma mais valia para o produto, e sendo complementada por uma técnica produtiva exigente e qualificada por experientes marceneiros. Na MURMUR podemos encontrar mobiliário interior, objectos de decoração, iluminação, mobiliário de exterior, tapetes, tecidos e a mais variada arte, e além disso ainda são concebidos projectos de design de interior de espaços públicos e privados, produção, distribuição, consultoria e coordenação de projectos de interiores.

Produção fotográfica por Murmur – Novembro de 2011-12-06

Street Art por Bestever na Fontinha – Porto

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

PLATAFORMA REVÓLVER

2011-12-05T13:12:00.003-08:00

Subtle Construction na Plataforma Revólver investiga a realização do virtual

Matias Machado, sem título,
instalação site-specific, 2011 (Subtle Construction)

A Plataforma Revólver para a Arte Contemporânea, localizada na Rua da Boavista em Lisboa, tem patente de 24 de Novembro a 14 de Janeiro de 2012, uma exposição denominada Subtle Construction. Esta exposição pretende explorar as potencialidades do espaço construído, tentando investigar a arquitectura transformável. Para isso encontrará nesta exposição qualidades flexíveis, performativas e generativas da arquitectura, e trabalhos concentrados na arquitectura efémera e em formas transitórias dos variados processos de construção. Para que tudo isso, os artistas envolvidos trabalham com o espaço, a ausência, a temporalidade sobreposta e as configurações espaciais, numa pluralidade de meios como o desenho, a instalação, a performance e a animação de objectos. Assim há uma verdadeira investigação sobre as potencialidades contemporâneas da realização do virtual, que não depende de meios digitais mas que pressupõe a consciencialização filosófica da era digital.

Os trabalhos desta exposição está ligados intrinsecamente ao espaço vazio, à ausência de acção e de narração, ou seja, o outro lado da visibilidade. Assim nota-se uma experiência de uma dimensão virtual dos ambientes, levando potencialidades não manifestadas de locais, situações e objectos que se tornam actuais, experimentáveis, através de um complexo processo de construção no qual os artistas actuam, documentam e reencenam nesta exposição. Todos os trabalhos desta exposição têm a preocupação de representar de forma analítica o espaço e a abordagem do quotidiano próximo dos receptores e interage com estes processualmente.

Adrian tyler. ROAD. Untitled, Morales de Toro.2003
C-print. 88x88 cm (Urbscapes)

Faz parte desta exposição, a escultura performativa de Hironaki Kubota, Tja spinning idol Senjyu-Kannon, uma performance que estará em exposição até dia 31 de Dezembro no Jardim das Oliveiras, no Centro Cultural de Belém, com o apoio da Colecção Berardo. Além disso, a Subtle Construction conta também com um livro dedicado ao virtual e ao imaginário na arquitectura, que contou com as contribuições de Luís Santiago Baptista, Sancho Silva, Manuel Aires Mateus, Carlos Bunga, João Silverio, Pedro Gadanho, Sinta Werner, Dana Bentia, Matias Machado, Garrett Ricciardi, Yukihiro Taguchi, Christian Rusu, e Hironari Kubota. A curadora desta exposição é Marta Jecú.

Envolvimento da paisagem na arquitectura pela fotografia na URBSCAPES

E ainda na Plataforma Revólver podemos encontrar até 14 de Janeiro de 2012 o URBSCAPES: Espaços de hibridização que mostra a obra de diversos artistas fotógrafos cujos trabalhos estão relacionados com a paisagem e a arquitectura. Esta exposição analisa as intenções e as demais intervenções que foram ocorrendo na paisagem nas diferentes escalas do território, sem esquecer as propostas mais líricas absortas na paisagem mas com parâmetros diferentes. Por isso entramos trabalhos que mostram representações da destruição da paisagem e a sua própria desnaturalização, a marca da transformação urbana dos bairros, ou uma cidade fantasma que conserva mesmo assim, a presença das vidas e das histórias e que agora se apresenta como agradáveis campos de cultivo ou desertos rochosos. O natural e o edificado coexistem nesta exposição, lado a lado.

Na URBSCAPES há uma verdadeira reflexão sobre o mutismo e a mutilação que parte da vulnerável relação vital entre o homem e o seu ambiente natural; há retratos da ausênia da vida como que a chamar a atenção para o ecossistema. Aqui mostra-se como a paisagem se submete por completo à arquitectura. Os artistas que podemos encontrar nesta exposição são: Bleda y Rosa (Prémio Nacional de Fotografia de Espanha), Gerardo Custance, Rafael Liaño, Anna Malagrida e Mathieu Pernot, Ángel Marcos, Mireya Masó, José María Mellado, Eduardo Nave, Jesús Rivera, Adrian Tyler e Jorge Yeregui. A curadora será Alicia Ventura.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

MELANINA

2011-12-02T06:21:00.001-08:00

Melanina Design de Joana Sobrinho

Melanina Design é um projecto criado por Joana Sobrinho no início de 2010. Designer e ilustradora editorial desde 2006, começou pela Banda Desenhada numa crónica mensal para a GQ, e colaborou com a Le Cool, Inversus, entre outras. Essa experiência levou-a até ao desenho, ao qual hoje se dedica inteiramente, através de layouts exclusivos para interiores e exteriores, no âmbito de trabalhos pessoais e parcerias.

Os projectos de autor que cria para clientes individuais contam com uma vasta equipa de colaboradores na área do design e decoração de interiores. Estabelece ainda parcerias com o espaço Murmur no Porto, e com a Santo Condestável, em Lisboa. Com uma história e tradição sólidas no mercado, a Santo Condestável aposta agora no design personalizado, arriscando e dinamizando-se através de um projecto de objectos, desenvolvido pela MELANINA, que estará pronto em meados de Dezembro. Poderá saber mais em www.melaninadesign.com ou no blog da MURMUR, www.murmurdesigninteriores.blogspot.com.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

LUNATIK DA VANDOMA

2011-11-30T07:43:00.001-08:00

Lunatik da Vandoma, uma autêntica viagem à Okerland

Lunatik é uma edição especial do sofá Sente60, o perfeito resultado do graffiti do artista Oker no reconhecido sofá Vandoma. Esta peça é um verdadeiro manifesto de uma arte habitualmente conhecida como arte de rua, agora implementada num objecto que se pode ter em casa. Assim nasceu o Lunatik, um sofá que leva a arte urbana ao seu lar ou escritório, com o conforto e liberdade necessários a qualquer espaço. É uma verdadeira ida à Okerland. Já conhece este mundo?

Além disso, o Lunatik é uma edição especial de uma unidade, o que torna o espaço que o receber único e nunca visto. Ninguém terá outro igual. As ilustrações desta recriação e reinterpretação de Oker renovam e alargam o conceito do sofá Sente60 do designer da Vandoma Paulo Gouveia. Os materiais e a dupla funcionalidade da versão original são preservados. Na estrutura em OSB, acabada em verniz mate e brilhante, está subliminarmente integrada uma mesa de apoio amovível.

Mais do que um sofá criativo, o Lunatik é uma verdadeira obra de arte que irá deliciar os seus amigos, família, vizinhos, conhecidos e até os desconhecidos que terão curiosidade em conhecer e sentar-se num sofá tão literalmente único! No Lunatik terá oportunidade para relaxar, amar, conversar, jogar, brincar com os mais pequenos e os maiores, sonhar, ler e escrever, beijar e amar. Também poderá estar sentado no sofá enquanto toma um delicioso café ou chá, enquanto come pipocas e vê o seu filme preferido. E tudo isto num sofá artístico que o leva para outro mundo com personagens, pensamentos e acções que irão fazer parte da sua vida. É arte o que emana deste sofá Vandoma!

Mário Fonseca, mais conhecido como Oker, é um criativo que desenvolve a sua paixão artística na ilustração, graffiti e design gráfico. Tudo começou em 1999 com a arte urbana que explorou e experimentou, estando a criar um estilo próprio inconfundível, que se projecta num mundo povoado por seres macabros, monstros tóxicos e trabalhos bastante pormenorizados. Formado em Artes Digitais e Multimédia na Escola Superior de Arte e Design, este criativo da Maia, estabelece uma verdadeira ligação das suas raízes manuais com as novas técnicas digitais. E assim surge a curiosidade de muitos pela Okerland. O seu percurso artístico já é tão produtivo que tem no seu portfólio trabalhos desenvolvidos para a RedBull, Lemonpie, SuperBock, LXSchool, Bubu, RTP, e a somar a tudo isto participou com afinco e muito profissionalismo no Seixal Graffiti, Secreta Wars, Meeting of Styles, Visual Street Performance, RedBull Street Gallery, RedBull Music Academy, entre muitos outros. É um verdadeiro artista português em ascensão, com apenas 25 anos de idade!

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

RITA MELO

2011-11-24T05:29:00.001-08:00

Rita Melo, com Ironia e Humor

Rita Melo é uma artista plástica portuguesa nascida em 1982 na cidade do Porto, com formação na Escola Universitária das Artes de Coimbra (ARCA) no ramo de Pintura e na Universidade de Belas Artes de Lisboa. Já soma muitas exposições e trabalhos, e é considerada como uma artista plástica com reconhecido mérito em Portugal. Desde o ano de 1999 que tem vindo a expôr os seus trabalhos, desde Galerias, Feira e Bienais de Arte Contemporanea.

O trabalho desta artista ,caracteriza-se pela concepção pictoral e conceptual num neo-realismo que vive numa ironia. Na generalidade, Rita Melo produz os seus trabalhos com grandes proporções através do que vê em fotografias, tal como um dia o ditou no seu blog (http://rita-melo.blosgpot.com): “as fotografias são a origem da minha pintura. A minha obra criativa começa logo na escolha do motivo, na selecção da fotografia que tiro.” Mas Rita Melo também tem outros trabalhos onde trabaha a sua criatividade, dando formas às suas personagens através das suas experiências de vida e da forma como olha para o mundo e tudo o que o rodeia.

Segundo a própria artista, “as figuras inacabadas, onde o ocaso é convidado a participar, contrastam com o fundo que as recorta com espaços vazios e uma linguagem estilizada. Os corpos em várias perspectivas são extremamente ampliados. Observada de muito perto a pintura realista adquire um padrão abstracto. Este ponto é explorado na minha obra pictórica.” E de facto, ao observar as pinturas de Rita Melo ficamos com a sensação de que a personagem patente no quadro pode e quer ser expandida, consoante a nossa vontade e imaginação. E desta forma se cria o realismo, de cada um, diferente em todos os aspectos.

Os elementos sensuais são algo de usual em muitos dos seus trabalhos, e distinguem-se por serem fortes e carregarem em si alguma ironia e humor, dando-lhe assim vitalidade. Tudo isto num quadro com imensas cores e onde sentimos que há uma enorme energia positiva que tenta embelezar a vida, transportando consigo optimismo e coragem perante o mundo. A crítica social, a lembrar a Pop Arte, também é algo que visível em muitos dos quadros de Rita Melo. Surgem assim telas simples e legíveis, com um enquadramento frontal e perspectiva, e onde as personagens e os objectos surgem com cores vivas e dissonantes de publicidade, oferecendo-nos uma nova abordagem da realidade.

Mas também há outras imagens que se interessam pela publicidade e pelo ambiente urbano contemporâneo, desde os anúncios, variados símbolos que povoam a nossa realidade, ilustrações, estilos e até latas de conserva. Um dos pontos importantes para Rita Melo é conseguir dar às suas peças e personagens uma linguagem visual compreensível no contexto de uma nova figuração. Na sua obra também encontramos figuras ambíguas que nos surgem com diferentes sentimentos, desde sedutoras, assustadas, surpresas e alienadas, intimidadoras ou em acções performativas.

Em 2009, Rita Melo esteve presente em exposições na Galeria do Jornal de Notícias no Porto, no Museu Claustros e Museu de Etenografia em Setúbal, na Galeria Nuno Sacramento em Aveiro, no CAR em Palmela, no Arquivo Municipal do Centro de Exposições de Penafiel. Em 2008 esteve com as suas obras na Galeria Sub-Verso em Espinho, na Galeria Nuno Sacramento em Aveiro, na Bienal Internacional no Montijo, na Galeria Fabulas e Galeria Kabuki em Lisboa, no Museu da Bairrada em Aveiro. Em 2007 participou no Projecto Sentieri dell’arte em Milão, e expôs na Intercambio em Coimbra e Aix-Provence em França e na Galeria de Santa Clara em Coimbra. E desde 1999 que tem vindo a somar exposições nos mais variados locais por todo o país.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

BENE | PARIS SETE

2011-11-23T04:51:00.003-08:00

Showroom Bene na Paris Sete a 23 de Novembro

Em exclusivo para Portugal, a Paris-Sete apresenta o novo showroom da austríaca Bene, na sua loja no 14D no Largo de Santos, em Lisboa. Tudo começará no dia 23 de Novembro pelas 19 horas. A Bene que é conhecida pelos seus produtos marcados pela sua funcionalidade, design moderno e inovação tecnológica, demarca-se no mercado europeu na área do mobiiário de escritório. É para responder à questão, que tantas crianças nos fazem actualmente, “É mesmo verdade que no passado as pessoas trabalhavam em secretárias?”, que a Bene vem a Portugal mostrar uma nova forma e o seu estilo próprio de estar no trabalho.

Mas esta exposição não se resume aos objectos concebidos pela Bene. Porque a vida também não se resume ao trabalho, o evento inclui ainda uma exposição dos artístas Salomé Nascimento e Tim Madeira da WOA – Way of Arts, e ainda as mais recentes esculturas funcionais de Teresa Leitão, José Arantes Pedroso e Miguel Raposo, concebidas no âmbito do projecto KGT. Além disso, no dia 23 de Novembro também será apresentada uma nova mesa “To Mollino”, desenhada por José Ferreira para a marca portuguesa Movecho, numa homenagem ao reconhecido designer e arquitecto italiano Carlo Mollino. Este evento marca o início de um novo projecto ainda mais abrangente,de Gustavo Brito da Paris:Sete com Tim Madeira que ainda está nos segredo dos deuses, mas que em breve irão divulgar. Cá estaremos, ansiosos, para o conhecer!

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

A CASSETE DAS NOSSAS VIDAS | PEDRO SERRAZINA E NATALIE WOOLF

2011-11-22T04:51:00.001-08:00

A Cassete das Nossas Vidas a (re)visitar em Leiria

De 29 de Outubro a 30 de Novembro estará em exposição “a cassete das nossas vidas”, uma instalação de Pedro Serrazina e Natalie Woolf na SEDE do Colectivo A9)))), no número 29 da Rua Comandante Belo, em Leiria. Nesta mostra de Pedro Serrazina e Natalie Woolf, os autores questionam o que fazer ao desmontar uma casa assombrada por uma colecção de colecções. E nesta questão somos convidados a emergir numa experiência de revisitação mediada através de cassetes que nos transportam para sons de outros tempos, e em simultâneo somos catapultados por imagens de colecção que nos ditam que o espaço é a prova física da memória.

Pedro Serrazina estudou arquitectura no Porto mas deixou o curso incompleto para se dedicar à sua verdadeira paixão: o cinema de animação. O seu primeiro filme, Estória do Gato e da Lua, esteve em competição no Festival de Cannes em 1996 e foi premiado com 15 prémios internacionais. Em 1996 seguiu para Inglaterra onde se formou no Royal College of Arts pesquisando a utilização do espaço como elemento narrativo no cinema de animação. E desde aí que tem combinado uma carreira académica com o desenvolvimento de um trabalho criativo em várias áreas. Os seus projectos mais recentes incluem a publicação de um livro de ilustrações e contos, Pequenas Estórias Sem Importância, editado como complemento de uma performance para crianças exibida no Teatro do Campo Alegre, no Porto em 2006. Durante os últimos quatro anos foi Director do Curso de Licenciatura em Animation Arts na University for the Criative Arts, em Maidstone, onde em 2009 organizou a AniMaidstone, um evento internacional que combinou a produção de 5 animações/documentários realizados por estudantes e dedicados às comunidades desfavorecidas de Maidstone. Neste evento também decorreu uma conferência dedicada a questões de identidade cultural no cinema de animação e documentário. Actualmente, Pedro Serrazina é professor convidado na Universidade Católica do Porto e na Universidade Lusófona de Lisboa e participa regularmente em júris e workshops internacionais. O seu mais recente filme, intitulado Os Olhos do Farol, é uma co-produção entre a Holanda e Portugal, e nesta curta-metragem de 15 minutos combina personagens desenhadas com uma imagem real do mar e cenários pintados.

Natalie Woolf é especialista no trabalho para o público, tanto como artista ou consultora de arte pública. O seu portfólio mostra-nos vários trabalhos na área do desenho urbano, arquitectura paisagista e práticas de arquitectura, bem como no desenvolvimento de conceitos criativos e estratégias viáveis e sustentáveis para vilas e cidades do Reino Unido e para outros países da Europa. Natalie Woolf foca-se sobretudo nos “materiais sensíveis”, explorando aplicações de materiais que podem expressar ou demonstrar o impacto ambiental no contexto de projectos públicos. Como artista, e através destes conceitos, expressa-se através da pintura, do desenho, fotografia e montagem, bem como no pensamento conceptual e através de aplicações práticas no local, tanto de tecnologias mais específicas como de obras de arte individuais.

Fotos: Rui Miguel Pedrosa (RMP).

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

SHOWROOM BOTACA

2011-11-21T06:23:00.001-08:00

Botaca inaugura showroom em Lisboa

A Botaca abriu showroom no n.º 4 da Av. 24 de Julho, em Lisboa. Esta empresa portuguesa, que nasceu com o design de Manuel Bastos, está sedeada em Vila Nova de Poiares no distrito de Coimbra e dedica-se há mais de 20 anos ao desenho e fabrico de mobiliário tendo maior expressão na área do estofo, cujo principio se baseia na criação de peças descontraídas, no qual o conforto é garantido pela qualidade e método de utilização dos materiais, para dar resposta às necessidades de um cliente visual e tactilmente exigente.

A decisão de criar um showroom, em Lisboa, direccionado aos profissionais da área, teve como intenção servir de prolongamento ao atelier e/ou da loja dos seus clientes, visando fornecer todo o material necessário de trabalho para além de um espaço de reuniões consoante marcação de 2ª a 6ª feira, das 10 as 19 horas.

Assim, neste espaço de 180 m², a oferta da Botaca não se esgota na exposição solitária das suas colecções, optando antes, por representar um conjunto de marcas que, com ela, criam ambientes confortáveis, habitáveis e variados servindo como uma proposta no meio de inúmeras possibilidades reflectindo a flexibilidade de adaptação das peças.

E que marcas são? Para além da Botaca no estofo e moveis apresentam-se a Nessiz com as cozinhas, a Mordomias nos acessórios de decoração em fibra de vidro, a Val di Taro e WattLamp com os seus produtos de iluminação, a Vandoma com peças de autor e design singular e a Corque Design com objectos em cortiça num design sustentável.

Não bastando, periodicamente, o showroom apresenta exposições de pintura/fotografia e/ou escultura que conferem o caracter final ao espaço.

Em suma pode-se dizer que os produtos apresentados destacam-se pela qualidade e perfeccionismo latente que só são possíveis com o profissionalismo adjacente. Em todo o caso, a vantagem da maioria das marcas apresentadas terem um processo de fabrico artesanal permite abordar pedidos fora do contexto das colecções apresentadas, ou seja, a personalização de uma peça ou um desenho do cliente poderão ser exequíveis segundo orçamento e prazo.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

CRISTINA TROUFA | EXPOSIÇÃO INDIVIDUAL 19.11.2011

2011-11-21T06:22:00.001-08:00

Cristina Troufa e Charles Darwin

Vi pela primeira vez uma das pinturas de Cristina Troufa há uma semana, num post do Facebook. A profundidade emocional da jovem representada na pintura, a complexidade da sua expressão facial, levaram-me a ir ver a página pessoal da pintora. A obra perturbante e colorida com que aí deparei fez-me compreender que estava perante uma artista original e cheia de talento.

As pinturas de Cristina Troufa trouxeram-me de imediato ao espírito uma exposição que vira no Porto um ano antes (no Museu Soares dos Reis) baseada no trabalho seminal de Charles Darwin sobre a relação entre emoção e genética, A Expressão das Emoções no Homem e nos Animais. Publicado em 1872, este livro precursor de Darwin – assim como a exposição que vi – incluía fotografias surpreendentes de adultos e de bebés exibindo um enorme leque de emoções, do sofrimento ao desespero, da ansiedade à felicidade e ao êxtase. Do meu ponto de vista, o principal objectivo de Darwin nessa obra consistia em estabelecer uma ligação entre o comportamento humano geneticamente determinado – incluindo as nossas expressões faciais – e os nossos estados de espírito.

Ao ver as pinturas de Cristina, apercebi-me claramente da sua extrema mestria na representação das complexas emoções e sentimentos manifestadas pelos seres humanos e que Darwin pretendera explorar. Não é coisa fácil de conseguir – na verdade, muitos foram os artistas, por excelentes que fossem, que ao longo dos séculos fracassaram no intento de representar a face humana em pintura com fidelidade e intensidade. De certo modo, não há nisso nada de surpreendente; exigem-se excepcionais capacidades técnicas e poderes de observação para representar em pintura um sentimento complexo como aquele em que, por exemplo, dúvida e temor se confundem. Ou o sentimento de pânico controlado. Ou pintar uma emoção tão subtil como a reserva. É espantoso como Cristina Troufa consegue de forma tão coerente representar tais sentimentos na sua pintura. Por exemplo, naquela que é a minha pintura favorita nesta exposição, o auto-retrato Sombras no Sotão, uma mulher jovem observa fixamente qualquer coisa ao longe que pode muito bem ser estranho ou inquietante. Ao mesmo tempo parece fazer o possível por não revelar o estremecimento de medo que a percorre. A suspeição e o interesse que sente, mas também a sua necessidade de distanciamento, é evidente na firme contensão dos olhos e da boca, assim como, a um nível secundário, no propósito e na aplicação da posição da cabeça e dos braços. O esforço para controlar as suas emoções está também implícito na atenção que dedica aos atacadores dos sapatos, se bem que os seus pensamentos estejam claramente algures.

Sendo certo que a capacidade para compreender e interpretar as expressões faciais e a linguagem corporal varia de pessoa para pessoa, os quadros desta exposição irão seguramente despertar uma extrema variedade de emoções e ideias. E de perguntas. Será que a rapariga sentada no canto de Evolução está com vergonha ou com medo? Ou as duas coisas? Será que a mulher que se vê na parte esquerda do quadro Etapas sente inveja da imagem sorridente de si própria que se vê à direita? Ou estará simplesmente irritada? Porquê?

Ao fim e ao cabo, é quem vê que terá de fazer a sua própria interpretação, naturalmente.

Texto de: Richard Zimler

EXPOSIÇÃO HOJE, DIA 19.11.2011

Palpura Galeria de Arte, Rua Alberto Villaverde Cabral, nº 2 loja A, Encosta do Mosteiro,

1400-905 Lisboa Restelo

TUSSE | GOURGEOUS

2011-11-17T01:09:00.001-08:00

Gourgeous Lamp da Tusse, um candeeiro que irradia elegância

A Tusse apresentou no Experimenta Design 2011, que termina a 27 de Novembro, a Gourgeous Lamp. Este é um candeeiro que personifica a elegância e em simultâneo a beleza numa peça esculpida com um toque moderno. A Gorgeous Lamp é feito de forma artesanal e revestida com os melhores materiais, o que reforça ainda mais a sua nobreza natural.

A elegância e o glamour fazem parte de toda esta nova produção da Tusse, que repercurte a um qualquer local uma imagem majestosa. Uma das suas características passa também pela versatilidade que lhe permite enquadrar-se da melhor forma nos mais variados ambientes, despertando sobre si inúmeros olhares admirados pela sua candura e beleza.

A peça pode ser visitada no Espaço Sarmento da Ourivesaria Sarmento, junto ao elevador Santa Justa da Rua Áurea n.º 251 até ao dia 27 de Novembro.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

BOTACA

2011-11-16T09:46:00.001-08:00

Harmonia interior

A Botaca é uma marca portuguesa dedicada ao fabrico de sofás desde 1985 que tem como objectivo oferecer qualidade aliada a um serviço personalizado. O design e a produção são da responsabilidade de Manuel Bastos que zela por uma base consistente e assente numa estrutura produtiva bem preparada e organizada que hoje vê o resultado na consolidação de clientes habituais; na angariação de um maior número de profissionais interessados e no contínuo crescimento da marca num ciclo sustentável.

A filosofia da empresa tem como preocupação associar uma linguagem de design contemporâneo aos processos tradicionais, de forma a resultarem em peças confortáveis não só ao tacto, como também á vista. Este método de confecção dá a flexibilidade necessária para executar peças por medida, sejam modelos Botaca ou do cliente, o qual nos tem vindo a confiar peças exclusivas da sua autoria. Assim, a empresa atende da melhor forma ás necessidades e ao conforto do cliente individual, transformando a peça numa extensão física e num reflexo da sua personalidade. A escolha dos materiais é outro critério importante pois traduz a durabilidade, resistência e garantia de uma peça, por isso, a escolha recai sempre em materiais de qualidade caminhando na certeza de produzir um trabalho com classe e prestígio.

É nesta linha de pensamento que surgem as colecções Botaca, cada qual com um conceito e inspiração diferente. Exemplos disso são as duas recentes colecções da marca o Melodias, um sofá modular que nos seduz pelas formas curvilíneas e nos entretém pela conjugação harmoniosa de vários tecidos, remetendo a memória para as gerações passadas e estruturando o futuro para soluções sustentadas e o Donuts que procura a dinâmica e a versatilidade num conceito descontraído composto por quatro módulos deslizantes que permitem, facilmente, várias composições para ambientes diferentes: desde a chaise-loung à composição de cama para uma situação lounge. Para além de sofás a Botaca confecciona poltronas, cadeiras, cabeceiras de cama, somiers, almofadas, rolos, cortinados, poufs, mesas e mesas de apoio contando, futuramente, com uma linha de mobiliário.

Todos estes anos de experiência conferem á marca prestígio e reconhecimento que já levaram a Botaca a colaborar em projectos de decoração na área da hotelaria, tais como, no Hotel Albatroz, Hotel Alvor, Hotel do Chiado, Hotel Tivoli Jardim, Hotel Charlton Palace, Turismo Rural Duna Parque, e ainda no Parque de Natureza de Noudar (ecoturismo). Contudo é através dos seus clientes onde melhor pode ver as suas colecções. Estes estão espalhados de Norte a Sul do país, Espanha e França e podem ser detectados no website da Botaca.

Actualmente a empresa revela a necessidade de se aproximar dos seus clientes e por isso, está a preparar-se para abrir portas na nossa capital já em Outubro deste ano, assim a área criativa passa a dividir-se entre Coimbra e Lisboa, tal como a assistência de projecto aos clientes. Em Lisboa vão ter lugar as colecções Botaca e também será um espaço para representar marcas que completam a decoração, tais como cozinhas, tapetes, iluminação e peças de artistas convidados, de forma a criar ambientes para o profissional que visita o espaço se sentir apaziguado num ambiente completo.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da Design em Lisboa

RUI MOURÃO

2011-11-16T08:11:00.001-08:00

Reinterpretar o quotidiano com Rui Mourão

Está patente desde o dia 2 de Novembro até 23 do mesmo mês a exposição Smoke Kiss de Rui Mourão, no Atelier Concorde, localizado no número 43-A da Rua Leite de Vasconcelos, em Lisboa. E o que podemos encontrar nesta exposição? O autor responde: “Smoke Kiss é um trabalho sobre a distância e os afectos, a partir de um jogo de imagens. Imagens de 2 rapazes projectados num plano sobreposto, imagens de uma paisagem em 2 projecções diferentes, imagens de 2 margens em cada uma das projecções. O resultado é uma video-instalação de tripla projecção com diferentes composições geométricas que formam um todo formal e conceptual, expressamente pensado para o Atelier Concorde.” E como foi tudo organizado e imaginado? “Desde o primeiro momento que, para mim, dos elementos mais marcantes na percepção do espaço, foram as linhas cruzadas das traves do tecto na sala expositiva, que quis integrar visualmente na instalação do trabalho. Nesse sentido, os vídeos foram projectados de forma às linhas geométricas que definem os contornos de luz das imagens poderem dialogar directamente com as linhas cruzadas do tecto. Linhas das imagens e linhas da arquitectura encontram-se paralelas e transversais umas às outras.”

Desengane-se quem julgue que esta é uma exposição e uma obra sobre homossexualidade por ter dois rapazes (que estando longe estão perto) como personagens. Rui Mourão alerta que embora o tema esteja lá é muito mais do que isso. “Embora isoladamente apenas se encontrem a realizar pequenas actividades banais, na instalação, através da edição de vídeo, as suas imagens sobrepostas ganham subtis conotações sexuais.” Pela opção do objecto de trabalho artístico retratar uma opção de uma minorial sexual mas também pela composição dos vídeos, em que os jovens aparecem rodeados por uma paisagem urbana, num claro confronto entre a sua intimidade e o espaço da cidade, esta exposição tem uma dimensão simultaneamente privada e pública. Tudo isto resulta do trabalho de Rui Mourão, que frequentemente recorre a imagens de movimentos humanos quotidianos, para através da edição de imagens, criar video-coreografias performáticas com vários sentido metafóricos.

Nascido em 1977 em Lisboa, onde vive, Rui Mourão estudou fotografia e arte contemporânea na Universitat Autònoma de Barcelona e interpretação/cinema no Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya em Barcelona. Ainda completou a sua formação com artes visuais na Escola de Artes Visuais Maumaus em Lisboa e na Konsthögskolan i Malmö/Malmö Art Academy, na Suécia. Actualmente frequenta uma pós-graduação em Culturas Visuais Digitais no ISCTE, em Lisboa. Do seu percurso contam duas colaborações artísticas de peso, uma para Coco Fusco em 2002 e outra para Erwin Wurm em 2008. Além disso foi um dos seleccionados para a mostra nacional de Jovens Criadores, na secção de vídeo em 2006 e 2007, para a Anteciparte com “Uma selecção da mais jovem expressão nacional” em 2009 e para o FUSO – Anual Internacional de Videoarte de Lisboa em 2010 onde recebeu o Prémio do Público no Museu Berardo.

Rui Mourão tem trabalhado com vídeo, fotografia e instalação. Nos seus trabalhos notamos que capta o quotidiano, isola-o, e atribui-lhe novos sentidos depois de um processo de reflexão, representação e construção além desse mesmo quotidiano. Constrói metáforas da realidade através de processos de identidade, poder, conhecimento e significado em determinados contextos, ao nível social, económico, político, cultural, histórico, entre outros. As dualidades entre o individual e o colectivo, a excepção e o sistema, o efémero e o contínuo, o linear e o não-linear, o privado e o público, o ver e o ser visto, o eu e o outro, são contrastes que gosta de explorar nos seus trabalhos. No entanto, com Rui Mourão tudo isso é reinterpretado! Pode comprovar tudo isto em www.ruimourao.com.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

HANGAR DESIGN STORE

2011-11-15T04:19:00.000-08:00

Na Hangar descobrimos produtos com história e design

Desde Abril de 2010, o Centro Cultural de Belém tem mais uma loja, a Hangar Design Store, com um conceito ligado à mesa e refeição. Recentemente triplicou o seu espaço de exposição e abriu a Hangar Life Design, um gabinete de projectos e de coaching.

O que predomina na Hangar são produtos de qualidade, com funcionalidade e um design apelativo. Por isso são valorizados os produtos com história oriundos de casas comerciais centenárias, manufacturas ou indústrias que conseguiram ultrapassar os tempos.

Na colecção de artes de mesa encontra peças tradicionais ou exclusivamente feitas para a Hangar pelas faianças bordallo pinheiro, bem como costa nova, cutipol, bodum, bitossi, ishendorf, alessi, e iitala.

No gourmet destaque para casafina, boa boca gourmet, e ainda uma selecção de chás da kusmitea e le palais des thés.

O mobiliário e iluminação destaca os candeeiros artemide e as cadeiras kartell, bem como peças de várias proveniências, criteriosamente seleccionadas.

A primeira fábrica de sabonetes perfumados portuguesa, a claus porto, tem grande destaque na Hangar. Esta marca da Ach.Brito dispõe de um espaço dedicado, onde pode encontrar todos os produtos e fragâncias da marca. Encontra ainda os sabonetes italianos da nestidante ou os franceses da compagnie de provence.

Uma outra parceria, desta vez com a centenária fábrica do chiado, permite-lhe adquirir velas de mel, perfumadas ou tradicionais da caza das vellas loreto.

Ao nível dos serviços profissionais, a Hangar Life Design é um gabinete de projectos e de coaching que possibilita um aconselhamento técnico em iluminação e organização de interiores comerciais e residenciais. O Coching em áreas de desenvolvimento pessoal e profissional, responde a outro tipo de necessidades que podem ir desde o apoio à mudança de estilos de vida até ao desenvolvimento de competências de gestão e liderança, passando pela gestão de imagem ou as decisões de orientação vocacional ou de carreira.

Tudo isto na Hangar Design Store, no Centro Cultural de Belém, de Segunda-feira a Sábado das 11 às 19h30 horas (marcações para gabinete de projectos ou coaching 213624302).

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

INELO

2011-11-14T01:54:00.001-08:00

Os Imperfeitos, apenas um dos projectos da INELO

INELO é uma verdadeira união criativa de Inês e Gonçalo, quase como um casamento. Identificam-se como um casal de designers gráficos e criativos, onde há sempre uma variedade enorme de sentimentos e de onde surge um colectivo. Além do design gráfico, a INELO também se dedica à web, ilustração, fotografia, vídeo e artesanato urbano. Apesar de estarem sediados em Lisboa, são aventureiros e aceitam propostas oriundas de outros locais. E pedem que os desafiem porque prometem dar o melhor em cada projecto, e surpreender sempre no resultado final!

A INELO é colaboradora no website de tendências, moda e design, “Janela Urbana", onde nos dão a conhecer um pouco de tudo no mundo da arte e do design, entre outras temáticas importantes para esta dupla. Sugerem-nos sítios a visitar, e ainda abordam artistas e os seus respectivos trabalhos. É uma parafernália de informações variadas que a INELO fornece ao público neste website que convida a ser visitado amiúde para se ficar a par das últimas novidades.

Os Imperfeitos, como a dupla denomina, são os “nossos” monstros craft toys. Apesar de serem monstros são muito simpáticos e gostam da companhia dos mais pequenos mas também dos maiores. Cada um dos Imperfeitos tem a sua personalidade, todos são diferentes e nenhum é igual, e a INELO explica que “enquanto criadores destes pequenos dedicamo-nos individualmente a cada um, ao pormenor, pois trata-se de um trabalho todo ele manual.” E por isso, ao serem trabalhados de forma artesanal, cada Imperfeito saí diferente do anterior. Também é importante explicar que os Imperfeitos parecem brinquedos, e são brinquedos mas simultaneamente peças de design, uma “soft culture” que é feita com muita dedicação por esta dupla. Os Imperfeitos são trabalhados com variados tecidos e componentes, desde excedentes de fábricas a tecidos reciclados, retalhos, entre outros. E todos têm um enchimento de fibra de polyester.

Nos Imperfeitos podemos escolher o Elias - o Infantil, o António com o cognome de O Bigodes, o Carlos – O Bem Disposto, o Miguel ou a Eva ou o Ruben ou a Rafaela e o Zé, O Paulo – O Surpreendido!, a Ana – a Observadora, o Alcides – Adora Comer! , o Pedro – O Rezingão! Há cada Imperfeito à medida de cada um de nós, com as suas características próprias e humor único. É só escolher! E se quiser ter um Imperfeito personalizado, a INELO responde positivamente: “Envia-nos a tua ideia... mesmo que seja imperfeita!” Os Imperfeitos já se encontram à venda na Fabrica Features, em Lisboa.

Mas a dupla INELO gosta de surpreender e por isso também se dedica e partilha com o público em geral “a nossa cozinha”, a deles claro está. E isto porque para eles “cozinhar é divertido e nós só descobrimos isso recentemente. Todas as idas às compras, assim como todos os cozinhados tornaram-se uma aventura. Há sempre um ingrediente novo que chega a casa, ou um espaço desconhecido para visitar. É possível e saudável reservar um tempinho dos nossos dias para o que comemos” e é precisamente isso que querem mostrar em www.sobreanossamesa.blogspot.com. Neste website encontramos algumas receitas únicas e engraçadas, e que podemos começar igualmente a cozinhar, e além disso vemos fotografias com notável qualidade dos ingredientes, ou da forma como cozinharam e confeccionaram um determinado prato. Vale a pena dar uma oportunidade aos nossos olhos e deixá-los desejar os manjares que as fotografias tão bem retratam.

Mas a dupla INELO não pára e eis que surge recentemente mais um projecto: o que será o “coisas que praquiandam”? É um laboratório experimental onde poderemos ver projectos de vídeos e fotografia, muitas vezes sem carácter específico apenas porque são coisas que para aqui andam. Estes vídeos são feitos em locais onde a dupla vai, em situações quotidianas experimentais, coisas que vêem ou ideias que surgem. Este espaço segundo explicam, “não tem pretensões nenhumas, a não ser única e exclusivamente o extravasar de ideias e a vontade de criar e explorar novas situações a áreas derivantes e adjacentes do design de comunicação, como o vídeo e a fotografia.”

Já com tantos projectos na manga, o que mais irão fazer os INELO?

Quem sabe se não será algo para si!

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

MERCADO DE SANTA CLARA | Festa de São Martinho

2011-11-11T03:06:00.001-08:00

Festa de São Martinho no Mercado de Santa Clara. E porque não?

Loja no mercado de Santa Clara- My Crafty Closet
Fotografia: Objectiva 3

O cheiro a castanhas já povoa as ruas de Portugal e o São Martinho chegou. E porque não comemorar esta data e tradição no mais antigo mercado coberto da capital portuguesa, e que ainda se encontra de boa saúde, o Mercado de Santa Clara? Para quem nunca ouviu falar deste espaço, fica mesmo no centro da conhecida Feira da Ladra, e no dia 10 de Novembro podemos ir comemorar neste espaço o São Martinho e conhecer mais um espaço histórico da cidade de Lisboa. Vale a pena dar lá um salto, até porque ditam que vai haver castanhas e ginja “com fartura”, um sorteio de peças de autor e ainda muita música e diversão.

CENTRO DE ARTES CULINÁRIAS

O Mercado de Santa Clara, para quem não sabe, foi construído em 1877 mas actualmente encontra-se renovado com a implementação no local do Centro de Artes Culinárias no interior e com uma variada oferta de lojas/ateliers no exterior. No Centro de Artes Culinárias podemos conhecer a exposição de artefactos culinários antigos e comprar os mais variados alimentos, e nas lojas encontramos uma oferta variada, desde joalharia a antiguidades, de vestidos a design. E quem conhece atesta que este é um óptimo local para se beber ou comer algo bem apetitoso. Este mercado fica localizado numa zona lisboeta repleta de espaços abertos, sem ruas muito apertadas, com jardins, novos pontos de interesse cultural e outros históricos, como é o caso do Panteão Nacional ou a Igreja de São Vicente.

Mercado de Santa Clara Restaurante/Café

Mas quem “habita” neste espaço? A CYAN de Maria Ana, uma oficina de joalharia contemporânea que conta “estórias; a MY CRAFTY CLOSET, design de moda e acessórios onde se valoriza o produto manufacturado e que tem influências japonesas; a AMASSO de Sara Guerreiro, uma loja que oferece cerâmica de autor e de outros autores nacionais; a PORTUGAL MODERNISTA que oferece design e artigos relacionados com o modernismo nas artes em Portugal e ícones lisboetas como Fernando Pessoa e Almada Negreiros através de t-shirts, canecas e postais; AS MARIAS COM CHOCOLATE, uma verdadeira chocolataria de fabrico próprio de chocolates, bolachas, bolos, bebidas quentes de chocolate, sumos e batidos de fruta; o OURO VELHO que tem antiguidades, velharias e artigos de colecção e que surge da paixão de três mulheres em coleccionar objectos e artes decorativas.

Mas ainda há mais! O GALO COLORIDO/ATELIER DA LADRA tem velharias de diversas épocas; na ARTES DO FOGO encontramos escultura e cerâmica em artigos de decoraçao para a casa ou para uso pessoal; a ONE CHAI – SHOP ITINERANTE tem variados artigos da Índia, Argentina e outros produzidos em terras lusas; a MARIA DE LURDES DIAS com três espaços, um de velharias e coleccionismo, outro de artigos únicos e originais e ainda um espaço com Banda Desenhada; a FAMOARIOS foi a primeira residente no Mercado de Santa Clara e comercializa peças que nos transportam do presente ao passado do Mercado; a LOJA DO MANEQUIM À PORTA oferece-nos colecções, brinquedos, militária, vinil, livros, postais, papelada, revistas, e como eles chamam, trapalhadas castiças; a CARLOS JANEIRO E LAURA MEDEIROS é mais uma loja especializada em antiguidades; e a TEMPLO DE JADE dita como o poeta, que o sonho comanda a vida, e por isso apresenta móveis e objectos do passado que nos fazem sonhar e viajar na memória. Todas estas lojas estarão abertas dia 10 de Novembro, dia de São Martinho, das 18 às 22 horas e pode conhecer em pormenor tudo aquilo que cada uma delas tem para oferecer ao mais variado público.

Artigo Helena Paulino - Jornalista da DEL e TLS

FEIRA NA FÁBRICA | LX FACTORY

2011-11-10T06:24:00.001-08:00

Domingos em Lisboa são diferentes com a Feira na Fábrica na LX Factory

A LX Factory abre semanalmente aos Domingos as suas portas para o evento Feira na Fábrica, que decorre no número 103 na Rua Rodrigues de Faria das 12 às 19 horas. Este é um grande mercado onde pode ser encontrado um pouco de tudo, acompanhado seempre por muita e boa música e um ambiente muito alegre e descontraído. A Feira na Fábrica pretende ser o ponto de encontro de Domingo, o dia tradicionalmente da família e dos encontros e de um descanso mais prolongado. E este mercado em Alcântara, com actividades para crianças, provas de degustação, workshops variados, música e muita animação é uma boa actividade para um qualquer Domingo. Aqui encontramos diversão, informação, educação e um verdadeiro incentivo ao comércio local e à produção nacional, e por isso este é um mercado tradicionalmente e 100% português. E por isso quer chegar aos portugueses de todas as idades, tal como aos estrangeiros. Mesmo com tantas actividades, a Feira na Fábrica encontra-se disponível para novas propostas de dinamização para que este evento tenha ainda mais conteúdo.

A ideia surgiu tendo como base outros mercados existentes em muitas cidades por todo o mundo, onde há um verdadeiro acampamento num determinado local onde existe lazer, comércio e cultura num dia que geralmente significa descanso para a maioria das pessoas. Além disso, Lisboa é uma cidade em constante e crescente ebulição e este evento pretende ampliar essa mesma ebulição, num dia em que normalmente a oferta cultural é menor. As inscrições (feiranafabrica@lxfactory.com) para fazer parte desta Feira na Fábrica estão sempre abertas, e pode mesmo ir e apresentar as suas produções, num espaço onde encontramos os melhores vendedores que trazem de tudo um pouco, desde objectos em segunda mão a produtos tradicionais portugueses, novos criadores ou artesãos, livros e música estão sempre massivamente presentes, tal como roupa e plantas e os mais variados objectos de decoração. A parafernália de oferta é tanta que nem vai dar pelo tempo a passar enquanto estiver a percorrer a Feira da Fábrica.

E o convite estende-se: quer seja como comprador ou quer seja como vendedor, todos são bem-vindos a este novo pólo de atracção de Alcântara. Quem quiser participar com uma banca basta inscrever-se para vender o que tem lá por casa ou peças que tenha concebido, ou se é coleccionador, fabricante ou criador, este também é um bom espaço que merece a sua atenção. Aponte na sua agenda e não deixe de passar por lá num Domingo destes! E se tiver a chover não pense que a Feira na Fábrica não se realiza, claro que se realiza mas num espaço coberto da Fábrica LX, localizada nas traseiras da LX Factory.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da TLS e DEL

Mario Vela Sánchez

2011-11-08T04:04:00.001-08:00

Mario Vela Sánchez, um artista plástico espanhol com presença em Portugal

Mario Vela Sánchez nasceu em Madrid em 1969, e desde então construiu uma carreira de sucesso enquanto artista plástico em Espanha e fora de Espanha. Licenciou-se em Artes Plásticas, com especialidade de Pintura na Universidad Complutense de Madrid. Ainda tem formação em fotografia, audiovisuais e informação, design gráfico e um curso de artes de tela em Madrid. Mais recentemente tirou um MBA em Multimedia na CEI (Centro de Estudos Infográficos), em Madrid. Desde 1988 já participou em inúmeras exposições com outros artistas, em locais como Toledo, Lisboa e Madrid. Também já organizou diversas exposições individuais, desde 1991 até aos dias de hoje, a última a ser exposta na Universidade de Huelva e com o nome de “Además el Tiempo”.

Em 2010, Mario Vela Sánchez esteve presente na Arte Lisboa, na Feira de Arte Contemporânea que decorreu de 24 a 28 de Novembro na FIL – Centro de Congressos de Lisboa. E em 2011 Mario Vela Sánchez organizou uma exposição na Galeria Arte Periférico, no Centro Cultural de Belém, intitulada “Ele, Elas, Eles, Ela” onde estiveram expostos os mais recentes trabalhos deste artista espanhol. Em várias pinturas Mario Vela Sánchez pintou uma cara diferente a cada um dos seus personagens, dando a impressão de que estavamos numa sala cheia de pessoas diferentes, com características e sentimentos muito díspares.

A exposição que terminou no dia 10 de Fevereiro teve uma grande afluência e fez com que muitos portugueses conhecessem o trabalho de Mario Vela Sánchez. Através de quadros, bolas, e com uma miscelânea de cores reproduziu verdadeiros retratos humanos através da pintura, que nos mostram o quotidiano e momentos mais íntimos dos mais variados tipos de pessoas. Através de uma mistura impressionante de cores, e com um manuseamento perfeito na concepção de figuras humanas, Mario Vela Sánchez recriou quase que uma autêntica sessão fotográfica mas com pinturas. E para quando a próxima exposição em terras lusas?

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da DEL e TLS.

VANDOMA | CONTAME

2011-11-07T02:55:00.001-08:00

ContaMe: um contador com assinatura Vandoma, Móveis d’Arte Canhoto e Liliana Guerreiro

ContaMe é o nome de um contador diferente de todos os outros pela sua forma, materiais e pelo toque sublime da malha em filigrana de cada puxador. Como descreve a Vandoma: “ContaMe tudo! ContaMe os teus segredos, a tua história, ContaMe como vai ser. ContaMe o que levas, o que trazes, ContaMe o que guardas...” Este é um produto que partilha e reflecte a experiência de três parceiros nacionais. A Vandoma desenhou e convidou a Móveis d’Arte Canhoto para construir e Liliana Guerreiro para conceber os puxadores.

ContaMe nasceu da simbiose das artes e experiências dos seus criadores e reinterpreta o conceito do clássico contador, desconstruindo-o e conferindo-lhe movimento. A sua forma assimétrica quebra a monotonia e transmite equilíbrio e elegância. O cunho humano da construção reflecte-se por toda a peça, com especial destaque para os malhetes rabo de andorinha e cavilhas de madeira da Móveis d’Arte Canhoto e para os puxadores em malha de filigrana da autoria de Liliana Guerreiro Jóias.

E, a juntar a tudo isto, há uma criteriosa selecção de materiais como o pau cetim, mutene e prata oxidada. Para tudo ser perfeito!

A Vandoma Design é uma reconhecida marca portuguesa de design de equipamento, incluindo design de produto e interiores, da cidade do Porto, que já conquistou o mercado internacional. É reconhecida pelas características dos produtos que oferece: criatividade, qualidade e atractividade. A Vandoma tem a supremacia de surpreender sempre tudo e todos, trazendo algo de novo e desejado para o mercado, satisfazendo até os mais incrédulos. A Movéis d’Arte Canhoto é uma empresa, mas antes de mais, uma tradição e uma família que se distingue pela mestria na arte de trabalhar a madeira com detalhes exclusivos e especiais, sempre de forma manual. Liliana Guerreiro é já um nome incontornável no mundo do design de jóias. As jóias são um objecto que considera mais do que um adorno. São verdadeiros objectos de culto, uma companhia ou talismã que transportamos e com o qual podemos brincar. As suas peças em filigrana são desenvolvidas com os mestres ourives Joaquim e Guilherme Rodrigues.

Artigo - Helena paulino - Jornalista da DEL e TLS

RUI GRAZINA

2011-11-04T08:11:00.001-07:00

Rui Grazina desenha RG03a, um cubo que esconde um tesouro

Rui Grazina desenhou e apresentou ao mundo uma nova peça a que deu o nome de RG03a, numa edição especial em parceria com a Elements Contemporary Jewellery, local onde se encontra disponível desde Julho de 2010. A RG03a é um cubo de madeira que possui no interior um objecto precioso, e tem como inspiração as tradicionais caixas com segredo tipicamente japonesas. Segundo Rui Grazina, “estas peças de mobiliário representam para mim, como arquitecto, peças de arquitectura numa pequena escala.” E todas estes objectos são autênticos e simultaneamente únicos.

A RG03 é uma colecção de mobiliário desenhado por Rui Grazina para a empresa SPSS que produz peças de outros arquitectos como Siza Vieira ou Eduardo Souto Moura. A peça original desta colecção, a RG03a é um autêntico cubo, de 76 x 76 x76 mm e foi feita com o intuito de possuir no interior um objecto precioso. No seu núcleo encontramos três elementos sendo um deles o coração da peça que aloja e esconde o tal objecto especial. O bloco exterior é produzido em madeira de panga-panga e o núcleo foi executado em madeira de pau cetim. Com este novo produto, Rui Grazina garante continuidade ao seu trabalho anterior onde o cubo assume papel relevante. E isto porque segundo explica o próprio autor, “o cubo representa, através da sua forma geometricamente perfeita, uma base para a investigação, permitindo a criação da forma através da substracção e/ou separação de partes do seu todo.” Numa das extremidades da peça de um dos elementos notamos um elemento de chapa de prata 925 com banho de ouro 800m/m, que assegura a autenticidade desta série em parceria com Nuno Santos e Marco Santos para a Elements Contemporary Jewellery.

Além da RG03a, Rui Grazina é um arquitecto e designer, formado pela Faculdade de Arquitectura na Universidade do Porto, que já desenhou outros produtos, mobiliário e edifícios, a partir do seu estúdio localizado na cidade invicta. O seu trabalho já foi exibido na 100% Design em Londres, no FAD em Barcelona, e no Design+ em Lisboa. A RG02 foi uma das peças escolhidas no Concurso de Design para a Loja de Design do Museu Berardo em 2008, e no ano seguinte, Rui Grazina foi um dos convidados do Remade in Portugal. Em 2010 apresentou o seu trabalho no Brasil, mais exactamente na semana de Design do Rio de Janeiro e em 2011 foi seleccionado e expôs as suas peças na secção Talents da Ambiente em Frankfurt. Por todo o mundo podemos encontrar peças de Rui Grazina, estando presentes em várias lojas em Portugal, e em outros países como Itália, Alemanha, Inglaterra e Brasil. Como arquitecto já executou vários projectos em Londres e no Porto.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da DEL e TLS

PINTONEIRA

2011-11-03T05:23:00.001-07:00

Exteriores e Interiores de Pintomeira em Exposição na Universidade Nova de Lisboa

De 15 de Setembro a 15 de Novembro estará patente na Sala de Exposições da Biblioteca da Faculdade de Ciências e Tecnologias da Universidade Nova de Lisboa (FCT-UNL), no Campus da Caparica a exposição “Exteriores/Interiores” de Pintomeira. Mas quem é Pintomeira? É um pintor com influências próximas do pop-art e do design gráfico, com trabalhos de carácter figurativo, estilizados e de contornos definidos, descrevendo situações que encena situações e marca momentos importantes do quotidiano. Como descreve José Moura, Director da Bibilioteca e Fernando Santana, Director da FCT-UNL sobre esta exposição: “Os exteriores estão calmos. Os interiores aparentam ser... As peças de design marcam o espaço, o gosto, a ambiência e o tempo: o sofá vermelho, a cadeira, o cesto dos papéis, o candeeiro. No exterior dos exteriores, os espaços são dominados pela azáfama do fim de mais um dia. Longas e elegantes pernas, em ‘apressados’ sapatos, dominam cenas marcadas por uma imponente sinaléctica urbana que apela à obrigação e à proibição...como que rementendo para uma ideia (cada vez mais presente) de que a rotina dos dias é feita de obrigações onde (interiores) proibições se vão recalcando. A urgência domina, em contraste com o sofisticado espaço interior e os tranquilos interiores que nele(s) habitam. Este aspecto cénico é acentuado pela presença de peças que saídas de ‘interiores’ produzem ‘exteriores’ expostos. Deste modo pretende-se dramatizar as cenas retratatas e permitir ao visitante que ‘exteriores’ e ‘interiores’ se misturem... e criem uma ‘other life’”. E porque não, perguntam eles?

Arlindo Pintomeira nasceu em Deocriste, em Viana do Castelo em 1946 e foi nesta cidade em 1966 que surgiu a sua primeira exposição na Galeria da Livraria Divulgação. Desiste da sua formação em arquitectura e ingressa no mundo que mais o fascinava: o da pintura em 1967. Vai para Lisboa para o Atelier Colectivo da Mouraria onde convive com o pintor surrealista Raul Perez, Mário Cesariny, Cruzeiro Seixas, entre outros, e nesta época é já bastante activo em manifestações inconformistas da arte actual. Anos mais tarde, mais exactamente em 1972, parte para Paris e em 1978-1979 frequenta a CREA (Studentencentrum van de Universiteit van Amsterdam) onde estuda pintura e cinema. Em 1978 participa no Salon Metamorphoses em homenagem a René Magritte realizado no Grand Palais de Paris.

Durante os anos 80 fixa-se em Amesterdão e recebe várias influências, sendo a do grupo COBRA (agregação das letras iniciais das cidades de Copenhada, Bruxelas e Amesterdão) a mais marcante. Desse movimento guarda actualmente as texturas expessas, o desenho automático, as cores vivas e primárias e com combinações complementares, e ainda os motivos simples e depurados com algumas influências de arte primitiva. Já na década de 90 fixa-se no contorno, tornando-o num elemento preponderante através do seu alargamento, prolongação e multiplicação. E esta repetição de contorno numa progressiva construção de espaços é algo que caracteriza Arlindo Pintomeira, acentuando a figura, o objecto ou o espaço contornado existente nos seus trabalhos. E assim surge uma nova linguagem formal para Arlindo Pintomeira!

É no ano de 1999 que Pintomeira decide regressar a Portugal, começando a trabalhar no seu atelier no Norte do país, e os seus trabalhos voltam a ter a figuração como característica, uma influência que ficou dos tempos do grupo COBRA, e que denominou de Nova Linha. O ano de 2007 foi muito importante na sua vida porque marcou uma viragem na sua obra figurativa. No tema “Interiores” encontramos trabalhos próximos da pop-art com influências do design gráfico. A figura está sempre presente e as cenas de interiores parecem saídas de uma peça de teatro. Arlindo Pintomeira além da pintura, também se dedica a outros tipos de arte como fotografia, serigrafia e ilustração de livros.

Desde 1996 até à actualidade este artista português somou uma quantidade enorme de exposições individuais, em Portugal e no estrangeiro. Mas entre 1971 e 2009 também participou em várias exposições colectivas, bienais e feiras de arte, tanto em terras lusas como em países europeus. Além disso está representado em várias colecções particulares e oficiais, e ainda colecções de empresas e museus na Europa, nos Estados Unidos da América e também em Israel.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da DEL e TLS

Nuno Nunes-Ferreira

2011-11-02T08:13:00.001-07:00

Nuno Nunes-Ferreira mostra-nos pela arte a árvore histórica da humanidade

Nuno Nunes-Ferreira é um artista plástico, nascido na capital portuguesa no ano de 1976, formado em arquitectura pela Universidade Lusíada de Lisboa embora nunca tenha exercido a actividade de arquitecto.

Nos seus trabalhos notamos que ao utilizar imagens de árvores, florestas e folhagens explora de forma fenomenal a memória, retratando o horror com uma estética de belo sublime, e simultaneamente invertendo o que é do senso comum. O próprio artista explica: “a memória é a base conceptual de todo o meu trabalho e é no passado que encontro todas as ideias para o desenvolver. Na procura de uma estética de beleza em imagens cruéis do nosso passado colectivo, o meu trabalho busca uma reflexão em diferentes episódios da história do mundo, dos seres humanos e momentos que o tempo tentou apagar e por vezes negar.”

A denúncia da violência, relatos de maldade e estupidez, o mimetismo da ocultação do horror no belo, mas sobretudo a revelação de memórias colectivas são a base do trabalho deste artista. Tudo isto representado por vezes em imagens de árvores e florestas. Os seus quadros têm quase sempre duas escalas de afastamento: uma em que há a árvore, o tronco, e a floresta, e outra mais próxima com fotografias de figuras e datas. Há campos de concentração, doenças, imagens do Vietname e do Iraque, ou seja, de factos históricos. São verdadeiras árvores genealógicas da história da humanidade, e intrinsecamente, de todos nós.

Durante a sua curta carreira, mas já longa em termo de currículo, este artista já participou em várias exposições dentro e fora do país, destacando-se “Déjà-vu” na Galeria Eva-Maria Hill, em Estugarda na Alemanha, no ano de 2003, “Sala 4” na Galeria luís Adelantado em Valência, Espanha, no ano de 2006, e em 2009 “Matriarca” na Galeia Jorge Shirley.

Na exposição “Matriarca”, Nuno Nunes-Ferreira projecta nos seus trabalhos a memória de alguns acontecimentos marcantes na história da humanidade, abordando temas que por vezes tentam ser apagados, negados ou evitados mas que invariavelmente acabam por se repetir noutras épocas. Com escultura, fotografia e pintura toda esta memória é passada para estes meios artísticos, depois de ser repensada, acabando por criar obras de grande escala como foi o caso da Matriarca, uma escultura em tamanho real de um elefante tombado no chão da galeria. Nuno Nunes-Ferreira pensou nesta matriarca como a elefante líder com uma posição de sabedoria e domínio perante um grupo. Ela é uma mãe a quem a manada obedece sem questionar, fazendo assim o paralelismo entre os homens que obedecem cegamente aos seus líderes que por vezes os conduzem a actos de crueldade, guerra e morte. Assim foi e é a história que nos fica na memória!

A obra de Nuno Nunes-Ferreira esteve presente nas últimas edições das feiras Arte Lisboa, Arco, Arte Santander, Valência Art, entre outras, os os seus trabalhos já formam parte de importantes colecções privadas, colecções de fundações ou mesmo de museus e recentemente na 16.ª edição da Bienal de Cerveira foi um dos artistas premiados.

De 7 de Outubro a 11 de Dezembro podemos ver obras suas no Museu de Arte Moderna e Contemporânea do Santander e Cantábria, em Santander, Espanha, na exposição “El Puente de la Visión”, e no dia 4 de Novembro haverá uma nova mostra dos seus trabalhos na Galeria Paz y Comédias, em Valência, Espanha. Por cá poderemos ver na Arte Lisboa na Fil de 23 a 27 de Outubro novos trabalhos seus nas galerias Juan Silió e Paz y Comédias.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da Design em Lisboa e The Lisbon Stores

ESTADO D'ALMA

2011-10-31T04:51:00.001-07:00

Estado d’Alma, uma marca nacional que se traduz uma singularidade única

Design, criatividade e funcionalidade são os valores da Estado d’Alma, uma marca que nasceu em 2008 pelas mãos dos designers Alexandra Oliveira e Pedro Saraiva. Tudo começou com o desenvolvimento de um primeiro projecto feito com base num modelo da autoria de ambos e que foi finalista de um concurso de Design de Equipamento Industrial. E com o objectivo de mostrar ao país o que lhes ia na alma, expôr a criatividade destes dois designers, foram surgindo novas ideias e conceitos que originaram novas peças de mobiliário. E assim, em 2009 a Estado d’Alma apresentou-se ao mercado como marca nacional registada e desde então não têm parado de criar e mostrar o que lhes vai na alma!

A Estado d’Alma identifica-se como uma marca que “procura a essência expressiva das formas, do espaço, da cor e dos materiais enquanto elementos fundadores da obra de arte.” E talvez por isso, as peças desta marca sejam concebidas a pensar em espaços que procurem sobretudo decoração, versatilidade e arrumação. E as características mais visíveis nas suas peças é, de facto, a precisão de um design honesto e simples interligado com a beleza e o lado feminino da natureza. Alexandra Oliveira e Pedro Saraiva propõem-se a conceber e desenvolver peças de mobiliário únicas para a casa procurando, incessantemente, gerar produtos e soluções inovadoras que satisfaçam totalmente os clientes. Para isso permitem a escolha da configuração, das cores, materiais e vinis das peças que cada cliente ambiciona ter em sua casa, e que responda da melhor forma às suas necessidades. Dentro dos modelos que esta marca possui, o cliente pode escolher o tipo de lacagem (mate ou brilho), a cor da mesma, o tipo de madeira e até pode escolher um vinil para aplicar no móvel.

Apesar de ser uma marca ainda recente no mercado já tem disponíveis 4 colecções. A colecção “Atenção que Desliza” contém o aparador “Vaivém” e outro “Clique Claque”, uma mesa de centro “Escondidinha” e outra baptizada de “Caixote”, um aparador “Corredor”, uma secretária “Sra. Doutora”, uma cama com um nome que tão bem lhe assenta“Preguiça”, e uma estante “Incógnita”. Da colecção “Não toques que Desafina” fazem parte um cabide “Sempre em pé” e uma coffee table “Quebra Cabeças”. Para os mais românticos há a colecção “Romeu e Julieta” da qual fazem parte o aparador “Duquesa”, outro denominado “Torcido” e outro com o nome de “Verona”, uma vitrine “Imperatriz”, um módulo de televisão “Capuleto”, e uma mesa de apoio “Rosalina”. Na Edição Limitada possuem um aparador “Ziguezagueante” e um armário “D. Manel II”.

E onde encontrar todas estas peças? Ou na Estado d’Alma através de email, ou na Hangar – Design Store localizada no Centro Cultural de Belém, em Lisboa, na IDStore – International Design Store em Leça do Balio, e na Loja de Serralves da Fundação de Serralves no Porto. E até já se encontram disponíveis no exterior, mais exactamente nos Emirados Unidos.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da DEL e TLS

GUIMARÃES NOC NOC

2011-10-28T05:48:00.000-07:00

Guimarães noc noc, passear por várias exposições de mapa na mão

Guimarães noc noc organizou o seu primeiro evento nos dias 1 e 2 de Outubro, onde integrou muitas disciplinas artísticas, desde a pintura, a escultura, fotografia, vídeo, performance culinária, instalação, música e vídeo, entre outros numa mostra bastante informal. Esta é uma organização que tem como lema promover e divulgar a arte de uma forma alternativa para que o público possa ver arte em espaços não institucionais. Assim podemos encontrar diversos tipos de arte em Guimarães em casas, ateliers, ruas e espaços comerciais e associativos, e desta forma o público tem um contacto mais directo com a arte e o artista. Esta forma de mostra informal permite um envolvimento e uma partilha dos artistas e do público, e assim surge um evento público, de todos e que se envolve na cidade. Ditam que é esta “implicação e partilha pelo lado da comunidade, parte integrante do processo, que se assume como uma mais valia e garante o sucesso e a continuidade do projecto.”

Esta iniciativa surgiu em Guimarães para responder a três grandes objectivos: promover e estimular o interesse pelas artes ao nível local, nacional e internacional, valorizando vários artistas plásticos, e simultaneamente incentivar à inovação, experimentação e interligação entre disciplinas artísticas assim como a colaboração entre os vários criadores. Mas o Guimarães noc noc não é um concurso e consequentemente não há uma selecção de trabalhos, e por isso a participação é gratuita e aberta a todos os artistas nacionais e internacionas. O projecto pretende unir todos estes artistas e projectos num roteiro artístico dentro da cidade de Guimarães, em espaços cedidos aos mesmos. A proximidade geográfica entre todas as exposições é algo de extrema importância porque se pretende que as várias exposições sejam visitadas a pé, pelo centro da cidade de Guimarães, tendo um mapa e sinalética na entrada dos espaços como guias.

Mas como tudo isto começou? Segundo dita Adriana Ribeiro, uma das responsáveis, “a ideia surgiu numa conversa de amigos numa mesa de café como uma forma de participar na Capital Europeia da Cultura Guimarães 2012.” E responderam a um problema: os artistas não têm onde expôr os seus trabalhos e seguindo um dos lemas da Guimarães noc noc “a arte não tem fronteiras, mas tem portas, sendo necessário abri-las e, para isso, basta bater.” No total, a primeira edição da Guimarães noc noc que se realizou nos primeiros dias de Outubro de 2011, reuniu 300 artistas, num total de 41 espaços e 150 projectos. E nenhum tipo de arte foi esquecido, desde a música, instalações artísticas e gráficas, desenho e até uma performance culinária.

Tal como se antecipava pelos números e pelas contribuições que foram chegando à organização ainda antes do fim de semana da mostra, em forma de postais e vídeos, o evento foi um sucesso e transformou a cidade durante dois. O público veio de todos os lados do país e foi muito variado. E embora sejam números difíceis de contabilizar a organização assegura que “pela cidade andaram mais de 6.000 pessoas a bater às portas e de mapa na mão”.

No fim o balanço foi mais que positivo, não só para a organização do Guimarães noc noc, da responsabilidade da associação Ó da Casa , como também para os mais de 300 artistas que participaram e estão já com a criatividade voltada para o Guimarães noc noc do próximo ano.

E para 2012, o que nos reserva a Guimarães noc noc?

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da DEL e TLS

HÁ MONSTROS DEBAIXO DA CAMA

2011-10-26T15:09:00.001-07:00

Há Monstros Debaixo da Sua Cama? Ana Salomé responde-lhe!

Há Monstros Debaixo da Cama? Muitas crianças pensam que sim, e alguns adultos ainda têm algumas dúvidas, mas quem não as tem é Ana Salomé, a mentora da marca Há Monstros Debaixo da Cama que ao criá-la não teve medo de assustar os mais tímidos! Mas de onde surgiu o nome? Parece que provém do facto de, no início, Ana Salomé guardar os bonecos que terminava debaixo da cama.

Apesar de ter frequentado o curso de som e imagem e ter possibilidades de ingressar numa carreira cinematográfica, Ana Salomé preferiu apaixonar-se pela criatividade e os monstros da sua infância que nunca se perderam. E assim surgiu a marca, Há Monstros Debaixo da Cama, onde Ana Salomé cria monstros bonitos moldados inicialmente em pasta de papel, sempre claro, de uma forma artesanal. Actualmente os seus monstos continuam a ser amigos do ambiente porque são feitos a partir de cartões, latas ou garrafas, que posteriormente são cobertos com massa de modelar para dar corpo e vida aos objectos, e garantir-lhes um aspecto mais liso e aperfeiçoado. Tudo isto garante a cada peça de Ana Salomé a sua exclusividade! As ilustrações dos bonecos são muito originais e captam facilmente a atenção dos mais distraídos, e as aplicação são sempre muito bem feitas e conseguidas. E se gostar dos objectos e aplicações de Ana Salomé pode sempre encomendar um à sua medida e consoante a ocasião e as suas necessidades, ou simplesmente para decorar a casa ou para a sua própria decoração pessoal. Basta visitar o website de Ana Salomé e entrar em contacto com a autora! Quem consegue resistir a estes bonecos tão catitas?

Inicialmente Ana Salomé criava figuras mas agora o seu trabalho já passa também por pregadeiras, colares, acessórios para o cabelo como bandoletese até mesmo bonecos para bolos. Haja imaginação e das mãos de Ana Salomé sai uma imensa criatividade!

Artigo Helena Paulino - Jornalista da Design em Lisboa e da The Lisbon Stores

CUT FURNITURE ® | EXPERIMENTA DESIGN 2011

2011-10-25T14:47:00.001-07:00

CUT Furniture® na Experimenta Design 2011

No passado dia 1 de Outubro a CUT Furniture® teve o seu lançamento em Portugal com uma exposição no Experimenta Design 2011, que pode visitar até ao final do mês na Design Store BCT, na Praça do Princípe Real, em Lisboa. Também pode assistir às Conferências Internacionais de Design, de 22 a 30 de Outubro na Marinha Grande, onde Mariana Costa e Silva, mentora do CUT Furniture®, abordará o tema, “From Design to Product” no dia 27 de Outubro.

Mas o que significa CUT Furniture? É uma linha de mobiliário contemporâneo de Mariana Costa e Silva, constituída por peças de Valchromat® que se encaixam, um painel de fibras de madeira, hidrófugo e colorido. E por isso a assinatura da marca ser: “junte menos material, menos mão-de-obra, menos ferramentas, menos espaços e tem a CUT Furniture®.” Nesta exposição poderá apreciar mais de perto as peças da CUT Furniture®, feitas num material nascido na floresta nacional e que depois são trabalhadas com a prática e mestria do design. Assim nascem produtos simples mas fortes, verdadeiras peças de mobiliário que podem ser montadas e desmontadas pelo utilizador sem parafusos ou outras ferramentas.

Da colecção apresentada por Mariana Costa e Silva fazem parte 5 peças: um banco, uma cadeira, um cadeirão, uma mesa e uma mesa de café. Tal como a marca se denomina, cada peça está desenhada de forma a dispensar elementos adicionais de fixação, evitar desperdícios e ter um reduzido número de componentes que se encaixam de uma forma estável. O fabrico resume-se ao recorte dos painéis em 4 a 18 minutos, por uma fresadora controlada por computador (CNC). Estas peças tornam-se assim compactas, fáceis de transportar, além de assegurarem uma montagem e desmontagem simples, rápida e sem ferramentas. Este projecto venceu o 1.º Prémio Nacional Industriais Criativas Unicer/Serralves e foi seleccionado para exposição no Prémio Massimo Dutti Design.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da Design em Lisboa e The Lisbon Stores.

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PROJECTO MARTINS

2011-10-24T03:10:00.001-07:00

Projecto Martins da Paularte

A Paularte, empresa de mobiliário de Braga, criou em 2007 o Projecto Martins, para desenvolver e produzir peças de mobiliário desenhadas por arquitectos e designers portugueses. Utilizando o saber da mercenaria tradicional, a experiência acumulada de décadas a trabalhar a talha, e um grande primor a laborar a madeira folheada, a Paularte decidiu criar um projecto especial onde agrupasse um conjunto de sensibilidades e talentos de autores – principiantes ou consagrados – trabalhando para disponibilizar um catálogo de móveis com identidade e sofisticação, sem perder um sentido de uso utilitário. Todas as peças são identificadas e numeradas. O Projecto Martins é comercializado em Portugal e no estrangeiro.

Virgínio Moutinho é um dos arquitectos que participa no projecto. Várias peças por ele desenhadas já estão no catálogo do Projecto Martins. O aparador Millepede, inspirado numa centopeia, é um dos móveis mais conhecidos.

Rui Grazina desenhou a cómoda RG01 e a caixa de jóias RG02 para o Projecto Martins. São ambas fabricadas em pau-cetim. A caixa de jóias exige elevado tempo de fabrico e cuidado na sua produção.

A arquitecta Maria Manuel Oliveira é a autora da Pap. Uma livreira rotativa de forte sentido utilitário – muito útil para guardar objectos, revistas e livros em uso – mas com enorme elegância e equilíbrio, de cor clara por fora e escura no interior. Um desenho contemporâneo e sem ruído.

Muito em breve vai ser comercializado o Pendureiro, uma peça original criada em conjunto pelo arquitecto João Azinheiro e a artista plástica eslovaca Sílvia Krivosikova. Na mesma altura, vai ser apresentado o Byo-Bu, um biombo da autoria da arquitecta Luísa Penha, produzido em madeira tola e tecido burel da Serra da Estrela.

Neste momento, está a ser desenvolvido na fábrica o primeiro protótipo do arquitecto Carvalho Araújo para o Projecto Martins. Na internet, o Projecto Martins está no facebook https://www.facebook.com/pages/Projecto-Martins/136101386442169 e no blog http://projectomartins.wordpress.com.

Artigo - Helena Paulino - Jornalista da Design em Lisboa e The Lisbon Stores